{ Ampliación }

Un conejo en el sombrero -Y lo que eso implica-

2012-01-19T17:07:00.005-06:00

La Gusana Ciega
Conejo en el sombrero
Naranjada Records 2011
P. Arroyo, Gutiérrez, Martínez, Vilchis

Recordar los tiempos de gloria de la Gusana Ciega es recordar los alaridos de las jovencitas gritando en éxtasis por su vocalista Daniel Gutiérrez. Gracioso que estuvieran dispuestas a ofrendarse a un tipo que de puño y letra confesaba no ser precisamente el paladín de la fidelidad. El grueso de los éxitos del cuarteto cantaban desvergonzadas loas a sus aventuras amorosas, todas aderezadas de juegos de engaño y voracidad masculina. En el pináculo de su fama confesaba descarado -aunque no sin un dejo de culpa- sus suertes amatorias en Correspondencia Interna (Manicomio 1999) cuentos de amores apasionados ávidos de venganzas amargas.

Correspondencia interna fue la banda sonora de la típica historia de celos, traición y excesos que cobró a la Gusana Ciega después de su ciclo, un integrante fundador menos -Manuel Leyva (bajo)- un hiato de 5 años y una banda nueva castigada por un público celoso de su grupo original. Pensando que su solo carisma podría sostener Cosmonova, Gutiérrez aprendió a la mala, que no vale la pena hacer caso a sirenas que prometen fama y fortuna con proyectos en solitario. Ya sin Leyva, reformó a la Gusana Ciega y siguió construyendo su legado desde una trinchera mas humilde. En definitiva, no existe tal cosa como recuperar el tiempo perdido.

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Conejo en el sombrero (Naranajada Records 2011) se encuentra lejano a cualquier disco de la Gusana Ciega. Su sonido es completamente diferente a sus anteriores encarnaciones. Austero y concentrado en sustanciosos arreglos de guitarra, afinca su fuerza en la composición y la brevedad de sus canciones. Inevitablemente su humor amargo recuerda a Correspondencia Interna.

Canciones simples en su composición custodiadas por la hábil guitarra de Jorge Vilchis. No mas arreglos intrincados con celosos ritmos. Todo es rock de figuras sencillas de tararear, pero profusamente estructurado. Si de algo no se puede acusar a la Gusana Ciega es de simpleza. Disco tras disco buscan mostrar una nueva cara, y la de Conejo en el sombrero es quizá la mas distanciada de todas las que antes había mostrado. El combo acusa el uso de influencias que siempre habían estado ahí, pero que no se habían permitido experimentar; el sonido de Conejo en el sombrero recuerda por igual a the Cars que a El Tri. Afortunadamente la capacidad mutante del grupo permanece intacta. Unicamente con guitarras, bajo y batería, lo mismo logra trepidantes momentos energéticos -Entra en el agua, Domingo generacional- que tristes dulces melodías -Ella estrella, Asimétrica- monótonas composiciones cuasi marciales -Castillo en la luna- o desgarradoras confesiones de impotencia -Conejo en el sombrero-.

El hilo conductor de Conejo en el sombrero es una inusitada amargura-casi misoginia- contra las mujeres, envuelta en tópicos de la edad mediana. Ficciones o autobiografías, Gutiérrez bien podría ser acusado de adulto contemporáneo cuando su voz se desgarra al pedir explicaciones. Así las retrata lo mismo como objetos de deseo destartalados, manipuladores, tontos y hastiados de los hombres que los acompañan en la vida. Una vez que la juventud empieza a declinar en pos de la madurez, empiezan a surgir las angustias del ajuste de cuentas de la vida. Así el otrora casanova se enfrenta a estas mujeres hartas. No mas jovencitas dispuestas a todo por el astro del rock; mujeres vividas que hacen de los hombres sus víctimas. De hombres desesperados por el favor de su atención, pero cuyo rango de paciencia se compacta con la edad -Te entregas-. De hombres y mujeres envidiosos, lascivos y desconfiados.

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Trece años después los papeles han cambiado. El mago es otro y los trucos en la manga no le parecen graciosos ahora a Gutiérrez. Por eso ante el abismo, deposita toda esa desesperación en un disco inesperadamente sombrío y maravilloso.

¡Bravo!

Trivia: Dolor de huevos la canción donde la Gusana Ciega se viste del El Tri cuenta con la participación de Jessy Bulbo. ¿Coincidencia?

Que Inglaterra tiemble

2011-12-19T17:43:00.001-06:00

PJ Harvey
Let England Shake
Island 2011
P. Ellis, Harvey, Harvey, Parish

En el discurso de aceptación de su 2º Mercury Prize, PJ Harvey recordó la víspera de los eventos que habrían de conducirla en el camino hacía Let England Shake (Island 2011). Un martes 11 de septiembre de 2001, la artista quedo varada en un hotel en Washington D.C. desde cuyas ventanas se apreciaba la columna de humo desprendida de los escombros del avión estrellado esa mañana en el edificio del Pentágono. Como millones de seres humanos alrededor del mundo, sintió el cotidiano rondar de la muerte mas cerca que de costumbre. A punto de recibir por vez primera el Mercury por un álbum coincidentemente inspirado por la ciudad epicentro de los ataques terroristas -Stories from the city, stories from the sea (Island 2000)- aquel momento fue igualmente funesto y revelador. Harvey pensó que el arte -para ella- a partir de entonces, tendría la misión de atender las cosas importantes, lo trascendente. Así emprendió un largo sendero creativo para lograr una sola obra cuya valía trascendiera el tiempo. 10 años después Let England Shake vio la luz.

Escueto en su sonido primordial, en coherencia con la obra de Harvey a través de los años -mas de 20 en el oficio del rock- configura su artisticidad exacerbada en simples elementos que construyen escenarios dedicados a Inglaterra y su tradición militar. Sentimiento silvestre y pasado de moda para nuestra era de emancipación ciudadana, democrática y libre de antiguas etiquetas de nacionalismo fervoroso. Con su personal de confianza -Mick Harvey, John Parish y Flood- materializa canciones cuya austeridad rítmica las convierte automáticamente en himnos bélicos.

Relatos de temerosos adolescentes lanzados al campo de batalla a respirar la fragancia mezclada del tomillo y la sangre -On Battleship Hill-. De cantos a la orilla de los blanquecinos riscos de la costa inglesa, declamando su amor por la tierra que los vio nacer -England-. Del sonido de las ramas rotas al paso de la tropa en la obscuridad del terreno . De camaradería en el campo de batalla; de chiquillos que parten sin despedida pues el tiempo de la guerra los reclama presurosos a tomar las armas -In The Dark Places, Bitter Branches-. Chirridos disonantes de la mano de sutiles acordes de un piano apenas perceptible, reconfortante inclusive -Hanging In The Wire-. Instrumentos que se esconden con timidez unos detrás de otros, casi suplicando pasar inadvertidos, cual pinceladas de aguadas negras de presencia diluida pero perfectamente distinguible.

Así Harvey, otrora encarnación quintaesencial de la roquera en los noventa (1990's) camina entre la niebla, lanza su agudo cantar a cielo abierto para encontrar resonancia en voces masculinas -The Glorious Land- como queriendo ilustrar la fragilidad del vínculo entre paisanos que comparten una misma tierra a pesar de si mismos. Cantos de violencia y esperanza. Reflexiones de amor a la patria, del peso de la historia y de la urgencia por un mañana brillante a pesar de los signos inequívocos de que Inglaterra -y el mundo- tiembla.

¿Será que Harvey logró su cometido? Un 2º Mercury en la vitrina le insinúa que hay un lugar para ella en la inmortalidad reservada a los grandes.

Invisible Man

2011-12-13T17:07:00.003-06:00

Ely Guerra
Invisible Man
Homey Company 2011
P. Hernán Hecht

Una madrugada una inesperada idea surgió en la inquieta mente de Elizabeth Guerra Vázquez. Según la anécdota cuenta, tomó el teléfono y marcó a su compañero de banda el prestigioso baterista Hernán Hecht; emocionada le dijo que quería hacer un disco de versiones de ellos mismos pero en Jazz. Si bien jamás se aclaró si la llamada sucedió inmediata al nacimiento de la ocurrencia o a la mañana siguiente, lo importante quedó registrado. Hecht asumía la responsabilidad de aquel encargo.

La empresa se cumpliría al desnudar Hombre Invisible (Homey Company 2009) a 4 "simples" elementos: Batería, piano, contrabajo y voz. Un álbum de versiones de si mismos . O casi, bien sabido es que aparte de su labor como músicos de apoyo con Ely Guerra, el propio Hecht y Nicolás Santella -piano- son connotados miembros de la escena Jazz nacional. ¿Qué implicaba exactamente la aceptación de dicha empresa? ¿Experimentación, aprendizaje? ¿Qué motivó a la cambiante cantante a soltar la rienda a sus músicos mas virtuosos?

Durante los 2 años del ciclo de Hombre Invisible Guerra colaboró con músicos cuyo entrenamiento musical sobrepasa el suyo. Natalia Lafourcade y Denisse Lo Blondo Gutiérrez podrán no equiparársele en potencia vocal, pero sí en técnica. Sin mencionar la abrumadora experiencia que debe suponer el ser parte del ensamble de un par de orquestas sinfónicas. Algo en la cabeza de Guerra se perturbó y es notorio. Entonces buscó refinar su principal activo, su privilegiada voz. En ese proceso Invisible Man (Homey Company 2011) es la prueba de fuego al ponerla al servicio de los habilidosos interpretes que la acompañan. ¿O es al revés?

Invisible Man presenta un panorama diferente para ella, acostumbrada a los grandes saltos al vacío, se enfrenta a nuevas reglas en un mundo del que aprende paso a paso. Se deja llevar por Hecht y Santella en un mar de nuevas interpretaciones para sus no tan añejas canciones. Son ellos quienes le indican el camino, en todo momento se encuentra a su merced, les permite brillar para ir detrás de ellos y alcanzarlos. Sabe que el mundo del Jazz no es el suyo pero lo intenta, se somete e intenta su disciplina.

Así el cuarteto -completo con la participación de Aarón Cruz en el contrabajo- hace lo que le viene en gana con Hombre Invisible; cambian tiempos -Bumerán, Colmena- refuerzan momentos dramáticos -Mi Condición- añaden toques latinos de romanticismo -You love me, Stranger, Lento funeral- experimentan con texturas -Messy, La Habitación- todo lo permitido dentro de la (supuestamente) limitada estructura del cuarteto. Guerra deja que los suyos brillen a voluntad para que ella pueda controlar su voz, mostrar cuantos matices es capaz de alcanzar, las dulces tesituras ocultas por años de explosivos quebrantos.

La combinación es inquietante pues mantiene intacta la vanguardia que caracteriza a Guerra, pero con otro sabor; siempre un reto ante el cual enfrentarse a la escucha, pero que en recompensa gratifica con altas dosis de dulzura, experimentación a ultranza y una sensación de regocijo al terminar. Los resultados visibles de Invisible Man podrán medirse con un nuevo disco de canciones nuevas, mientras tanto solo queda el puro placer que produce al escucharlo y pensar en ese promisorio futuro.

Si surge la duda:
Lontano
Stranger
Mi Condición
Lento Funeral
You Love Me

The Whole Love

2011-11-24T12:35:00.011-06:00

Wilco

The Whole Love

dBpm Records 2011

P. Sansone, Schick, Tweedy

La semana previa al lanzamiento físico de The Whole Love (dBpm Records 2011) la internet y sus habitantes apresuraron sus conclusiones en la primera escucha. Un público ávido de la novedad de vanguardia que salvara un año musical un tanto flojo en el departamento del rock, paso por alto los retruécanos y prolijos detalles de producción de la placa. La composición habitual de Wilco no sufrió cambio alguno, todas sus estrategias sonaron intactas, salvo por la sorpresa que representó Art of almost alejada totalmente de cualquier cosa previa que se le conozca a los de Chicago. Eso bastaba para apresurar el juicio respecto del octavo intento del grupo y seguir adelante en la búsqueda frenética del nuevo santo que renueve los formatos de la música popular contemporánea.

Sin embargo la curiosidad mató al gato. Segundas, terceras y cuantas escuchas consecutivas fueron necesarias, revelaron a los incrédulos los quilates de una joya cortada con oficio, maestría y sobre todo artificio. The Whole Love es un festín de sonoridad una vez que se deja de pelear contra él. Conducirse entre sus momentos psicodélicos pop -I might, Standing O- o su alma folk entrelazada de esperanza y conformidad -Rising Red Lung, One Sunday Morning- es un deleite sin reservas. Su vaivén esquizofrénico le permite cambiar sus estados de ánimo con tranquilidad descarada. Desde su inicial punto álgido que arremete con violencia, a los ecos melancólicos de Sunloathe; de la franca alegría conformista de Dawned on me hacia la obscura belleza de Black Moon. Wilco va y viene con naturalidad. Sin despeinarse. El tipo de arte que se hace en la plenitud de la madurez temprana.

Interminables capas de texturas resueltas a través de la dominante presencia del bajo -cosa mas bien rara en la banda- guitarras eléctricas cambiantes entre la voz cantante y el fondo, una armada de órganos comandados por resonantes Mellotrones y Patell's transportes al lejano pasado -de Wilco, de la música pop- un robusto componente de percusiones que tintinean por doquier y una guitarra acústica que en su momento manda callar a todo lo demás, para protagonizar a lado de la siempre emotiva voz de Tweedy. El resto se afianza con la concienzuda producción. Para el proceso de grabación de The Whole Love la banda optó por explotar los no pocos recursos de su centro de operaciones: The Loft. Al hacerse cargo de la meticulosa labor, Jeff Tweedy capitanea a un bastante suelto e imaginativo Pat Sansone; quienes a lado de Tom Schick también hicieron la ingeniería de audio. Esta recuerda los momentos mas logrados de Yankee Hotel Foxtrot (Nonesuch 2002) sin la pesadez de este.

Así los lugares comunes de Wilco esparcidos por doquier nos hacen nuevamente sentido: La observación profunda del cotidiano mas trivial, la insistencia en la futilidad de la existencia material, el turismo de banda de rock, el pequeño y constante drama del matrimonio, las estructuras rítmicas en crescendo, country de cafetería y todo lo demás que bien se le conoce. La actual encarnación de la banda -que por lo pronto parece ser la definitiva- puede descansar en sus laureles por largo tiempo: Ha logrado su mejor disco a la fecha.

Y eso siendo Wilco no significa poca cosa -con o sin el favor de la voracidad del nuevo público roquero de la internet-.

Alto al fuego

2011-08-31T17:24:00.004-05:00

Jumbo

Alto al fuego

Promotodo México (2011)

P. Jesus "Chuy" Flores

El panorama en retrospectiva es simple para Jumbo. Los años de vanguardia y experimentación quedaron perfectamente plasmados en los surcos de Superficie (Noiselab 2007) y Teleparque (BMG 2003). Lo mejor de sus no pocas habilidades técnicas se aprecian deleitosas en D.D. y ponle Play (BMG 2001) y Álamo, canciones en madera volumen 1 (Producciones Mexicanas Discográficas 2009). En términos generales han aprobado toda competencia que se le ha puesto de frente incluida la del hit-parade o la de la posteridad, cuyo clásico disco debut Restaurant (BMG 1999) cumple satisfactoriamente en ambos apartados.

De tal manera Jumbo es quizá el sobreviviente mas notable de toda una generación de músicos, que se prometieron la revolución musical de la escena mexicana. A punto de caer en desgracia después de la desbandada de los hermanos González, los Jumbo restantes lograron mantener la cohesión de la banda, a pesar del carisma que aquellos aportaban. En estos días Jumbo poco a poco se encamina a convertirse en una de esas bandas que viven de prolongadas giras por el interior de la república, sin pena y menos sin gloria. Su catálogo de canciones radiables y clásicos eternos les da para continuar siendo un combo que en tiempos de internet ha forjado su reputación en vivo, algo que muy pocos en México pueden presumir a decir verdad.

En su quinto larga duración Alto al fuego (Promotodo 2011) se adivina esa carrera longeva basada principalmente, en la capacidad de la banda para hacer lo mismo canciones pegajosas y memorables, que canciones con algún giro interesante que los mantenga a un escaso centímetro lejos de la mediocridad. No es de extrañarse que su facilidad para el oído ajeno se haya forjado en las necesidades que impone el tocar en vivo con dicha regularidad. Así que sin concesiones Alto al fuego entrega sus 10 canciones en menos de 36 minutos. Canciones simples, de guitarra, bajo y batería. A veces un piano eléctrico o un órgano que adorna pero que no dirige, tal es la seguridad de Jumbo con estas canciones. Directas y listas para incrustarse en la mente con sus tarareos simples y livianos.

Aparentemente.

Y es que al pasar tanto tiempo de gira por el interior del país es inevitable percibir los cambios en el paisaje, ver como la vida cotidiana se fragmenta poco a poco, dejando ver las fisuras donde se esconde el germen de la putrefacción. Obviamente aludiendo a la situación de violencia actual en el país, lo que Alto al fuego nos dice es que la violencia se esconde dentro de cada uno de nosotros. Con nuestras actitudes nefastas y esquivas, con la falta de empatía, con el encierro que nos imponemos para no saber de la realidad y el malsano hábito de mirar a otro lado.

Lo que nunca ha sido el fuerte de Jumbo florece ante la necesidad de denuncia. Las letras en Alto al fuego se esconden, no hablan de la virulencia de las calles sino de lo que dentro de nosotros permite que acontezca. En Bla bla bla las palabras pueden ser cualquier cosa mientras no les pongamos atención, simples abstracciones enfundadas en canción bobalicona -con un gran video de por medio-, A veces canta sobre nuestros habituales problemas para comunicarnos, Mundo pequeño retrata con sutileza como la inmovilidad hace matrimonio con la costumbre, el ceder lo que somos ante la impotencia de no poder hacer nada. En Nubes lo que permanece son los objetos, pero lo que va y viene es nuestro sentir hacia el entorno cuando ha sido violentado.

Las cosas han cambiado drásticamente y solo hay una manera de decirlo: Directamente. Las veloces canciones de Alto al fuego no marcarán el parteaguas de la carrera de Jumbo, y tampoco cambiarán la situación del país por si solas; pero son una pertinente reflexión sobre el papel que cada uno de nosotros tiene en la degradación de la nuestra sociedad.

Un buen disco para tener en consideración.

A propósito de A Propósito

2011-08-02T21:51:00.005-05:00

Babasónicos

A Propósito

Universal (2011)

P. Babasónicos

Cuando uno tiene en su haber 10 discos es natural que el pasado (tu pasado) se convierta en (tu propia) referencia. Por eso no sorprende que en A propósito (Universal 2011) Babasónicos incluya un par de trucos bien ensayados a cabalidad. Baladas de inclinación romántica/obscura -En privado-, la canción rock machacona de bajo rítmico y fraseo simple -Fiesta popular- y el sencillo radiable que oculta sus virtudes líricas en su sencillez melódica -Deshoras-. Con el oficio y los años de camino porque hacer versiones de alguien mas cuando uno ya es su propio punto de partida.

De tal manera el resto es campo abierto para que Babasónicos despliegue sus nuevos encantos. Los viejos lobos de mar saben que para prevalecer en el juego de la seducción hay que renovar el repertorio de vez en vez. Con la promesa de por medio de psicodelia y cambios de estructura en momentos musicales de larga duración en su anuncio, el disco se expresa en canciones que mudan de piel entre atmósferas húmedas y vaporosas. Como serpiente contoneándose de un lado a otro entre la sensualidad exacerbada, la catarsis en forma de baile y el remanso de la humillación masoquista amorosa.

Relucientes joyas explosivas como Flora y fauno, Tormento, Ideas o Muñeco de Haití constatan la capacidad de Babasónicos de mantenernos al pendiente de sus pasos. La afilada lírica de D'Argelos muestra un novedoso añejamiento, llena de metáforas sobre el desdén por la vida moderna, los amores enfermos y la invitación a la revuelta social. Envidiable en su uso de la palabra, el cual solo se logra al alcanzar la madurez. Es evidente que Babasónicos esta en ese punto. No hay mucho que reclamarles o exigirles pues aún cumplen con su empresa. Se llama oficio.

Producido por la banda minuciosamente A propósito es la clase de disco que debe ser escuchado lo mismo a todo volumen, que con los mejores audífonos de los que el escucha disponga. Por encima de los lugares comunes de la banda o sus novedades musicales, algo que debe disfrutarse es su delicada construcción, llena de profusos detalles perfectamente escondidos. Escondrijos sónicos que al manifestarse seducen como la primera vez.

O para no dejar de sonar reiterativos, se llama oficio. Algo que Babasónicos tiene de sobra y que en estos días no abunda.

Controversias innecesarias (Travieso Carmesí y Música de Fondo MTV Unplugged)

2011-05-23T16:25:00.004-05:00

Alondra De La Parra

Travieso Carmesí

Sony Music (2011)

P. Alondra De La Parra

Para nosotros los neófitos en la materia el currículo desglosado de Alondra De La Parra se lee bastante abrumador. Fama o talento de por medio, ha tenido la oportunidad de estar en suficientes foros que constaten su calidad como directora de orquesta, lo mismo que en proyectos que obligan a mirarla con suspicacia -como el concierto de 50 años de carrera de Placido Domingo-. De cualquier manera, De La Parra es parte de una joven generación de directores de orquesta cuya labor -en palabras de su líder moral el venezolano Gustavo Dudamel-, es ofrecer un buen espectáculo.

La heredera del conocido emporio editorial mexicano cumple con creces la encomienda como demostró la noche del Bicentenario nacional con una selección de clásicos mexicanos con un toque inesperado: Las voces de un trío de roqueras enfundadas en trajes de diseñador. Para quienes compartimos esa noche sobre avenida Reforma, el recuerdo indeleble de Ely Guerra tomando de la mano a una conmovida Natalia Lafourcade quien olvidaba la letra de Vereda Tropical en la emoción del momento, es mas que suficiente para aseverar que De La Parra es capaz de montar un show.

Travieso Carmesí es una deuda saldada con el público que presencio ese instante. Repaso sencillo de un México de edificios Art Deco y mujeres que en la mar encuentran confidente para sus pesares de amor, donde la novedad es la voz domesticada de un trío habituado a cantar a grito abierto las mismas penas. Y es que el complemento de la nostalgia por ese México es la capacidad de De La Parra de equilibrar su orquesta y las voces que la acompañan, permitiéndoles lograr tesituras dulces y controladas que de otra manera tardaríamos mucho en escucharles. Así Guerra muestra los verdaderos colores de su voz en un clásico que ha hecho propio -Júrame- Lafourcade muestra su inocente dulzura sin prejuicios -Amanecí en tus brazos- y Gutiérrez se deleita en sus capacidades vocales en un ambiente donde no se les escucha extrañas -Piensa en mi-.

De evocación romántica y metales encendidos De La Parra y compañía actualizan estas viejas canciones con su ímpetu de juventud y tratan de conciliar dos mundos muy distantes, el lenguaje sinfónico y el rock, en el punto intermedio que representan ambos: La música popular. Los resultados son sumamente agradables si se permite uno despojarse de estereotipos, ideológicos y musicales.

¿Porqué no?:

Amanecí en tus brazos

La Llorona

Solamente una vez

Vereda Tropical

Zoé

Música de fondo MTV Unplugged

Emi (2011)

P. Acosta, Báez, Guardiola, Larregui, Mosqueda, Vinall.

Hace algunos años contar la historia de Zoé era contar la historia del underdog que se sobrepone a las vicisitudes que encuentra en el camino hacia la gloria. Zoé finalizó la década de los noventa firmados por Emi, quienes inexplicablemente congelaron a la banda, hasta que Sony la sacó del letargo en 2001 para darle carta de retiro un disco después. Una vez en el camino de la independencia comenzaron a pavimentar con un e.p. The Room (Noiselab 2004) lo que se convertiría en su éxito masivo; con Memo Rex Commander y el corazón atómico de la Vía Láctea (Noiselab 2006) procedieron a su coronación como reyes de la generación Reactor, dando fin a la sucesión de tragedias que era su carrera hasta el momento. El underdog se acabó.

Una vez envestidos como reyes su andar no ha estado desprovisto de pequeños tropiezos, de vuelta con la disquera que los califico de poco viables su primer disco en vivo 281107 (Emi 2008) retrata a una banda en plena forma, aunque con un vocalista flojo. Ese mismo año si bien Reptilectric (Emi 2008) se enarbola como la cúspide de su proceso creativo se antoja autocomplaciente, pero refrendó lo masivo de la banda al filtrarse a las listas de popularidad de la radio pop.

El paso a seguir en la historia clásica del rock de nuestros tiempos es la misa de beatificación: Un MTV Unplugged. Para la música popular en América Latina la grabación de un episodio desenchufado aún supone la canonización de un grupo, emblema de su calidad y poder de convocatoria, una oportunidad única en recursos para reinventarse a placer. Música de Fondo (Emi 2011) es la respuesta de Zoé al respecto.

Valiéndose de una plantilla de invitados de lujo con Chetes a la cabeza, cuya influencia en el sonido del disco va mas allá de lo notorio; Zoé propone una visita diferente al repertorio logrando transformarlo con bastante éxito. Se escucha una banda con un panorama musical mucho mas amplio que incluye ritmos folk, honky tonk y un groove mas alegre. También suenan dramáticas atmósferas densas pobladas de fantasmas modelados por la voz de Lo Blondo. El arreglo musical es a la vez íntimo y majestuoso con una sección de cuerdas y su eco en metales que acompañan esa mezcla rara en un disco por momentos francamente alegre.

Sin embargo a pesar de las dulces percusiones en manos de los bastante talentosos -y antipáticos- Yamil Rezc y Andrés Sánchez, el disco conserva el ánimo espeso que caracteriza a la banda, por momento eclipsada ante sus invitados. Chetes toma las riendas en momentos donde quizá quien debería brillar en su interpretación es Sergio -guitarra- o Jesús -teclados-, Lo Blondo opaca en mas de una ocasión a León -voz- aún cuando no se le puede reprochar a la interpretación de Larregui -a diferencia de 281107-. Con todo es de festejarse la humildad de la banda para apartarse y dejar que sus invitados aporten a favor del ensamble.

Las canciones crecen de una manera que en manos de Zoé a secas quizá hubieran sido repeticiones de si mismas. Infinito es traducida de su original esquizofrenia electrónica a un ejercicio de psicodelia groovie acompasada por intervenciones de vocoder, engrandecida con cuerdas y metales que la puntualizan. Dead pasa de su gélido lamento a una rítmica balada con la sazón babasónica que aporta Adrián D'Argelos. Nada cambia su tono percusivo por uno mas grave que explota en psicodelia con un Enrique Bunbury a quien se le agradece control de toda forma de drama innecesario. Algunas canciones sin problemas superan cierta mediocridad de su propuesta original (Luna, Últimos Días). Cada una sufre transformaciones notables y manifiestan la enorme capacidad musical de la banda al ser rectores de tremenda encomienda.

En general el cálido y envolvente sonido del ensamble propuesto para Música de fondo corroboran que la historia de Zoé aún tiene emocionantes capítulos por contar. Este, el mas reciente, es prueba de que su historia de éxito tiene plena justificación en su talento. Después de Música de fondo pasará tiempo para menoscabarles sus logros artísticos. Afortunadamente.

Abril: Mes del arte

2011-05-11T13:59:00.000-05:00

Cuando el brote de influenza porcina arruino Zona MACO hace dos años, sonaba poco probable una feria de las dimensiones de la que ocurrió el mes pasado. Nuevamente fuerte cada vez mas grande en tamaño y aspiraciones, Zona MACO retomó la batuta de la efervescencia cultural en torno al Arte en la temporada de primavera. Este pretende ser un pequeño resumen con lo que consideramos lo mas valioso de lo que presenciamos el pasado mes.

La feria se expandió gracias a la incorporación de una zona exclusiva para diseño industrial mexicano y el nutrido elenco de galerías internacionales de altos vuelos -Hauser & Wirth, KaiKai Kiki-, además de la asistencia de Lisson Gallery y el regreso de David Zwirner como atracciones principales. Asimismo vimos galerías mexicanas que no decepcionan gracias a su combinación de tradición y vanguardia -Galería de Arte Mexicano y OMR- y viejos conocidos con ganas de reivindicar su nombre -I-20, Luis Adelantado-. Este año hubo arte emocionante, aunque los grandes nombres no fueron sinónimo de grandes sorpresas -Kurimanzutto, Arena México- además de proyectos que no terminan de cuajar dentro de la feria misma: La extraña Zona MACO Sur que de ninguna manera representa el punto álgido del evento, salvo muy afortunadas excepciones -Julieta Aranda para OMR-. Quizá trivial a destacar sea la presencia de Yogurland, pero basto ver la cola permanente en la zona de la cafetería para asegurar que también fue un éxito mas para los organizadores, inyectando frescura al ambiente estirado propio de Zona MACO.

Fuera de esta pero aún en el ámbito comercial destacaron sin duda dos exposiciones: Por un lado Damián Ortega para Kurimanzutto, esperado regreso de una de las estrellas de la galería con un poético alegato sobre la capacidad del hombre para transformar el entorno a través de sus manos y herramientas. En coordenadas mas artificiosas Gabriel De La Mora para OMR, recordándonos el deseo del hombre por ostentar un pedazo de Historia a través de la falsificación de obras de arte, reflexión lo mismo conceptual que pictórica con hermosos resultados formales.

La oferta institucional fue comandada por la exposición individual de Gonzalo Lebrija y la retrospectiva de Graciela Iturbide en el Museo de Arte Moderno, la dos pertinentes acercamientos de fondo al trabajo de ambos para valorar su aporte dentro de la escena artística actual. Desde sus enfoques muy distintos entre sí, Iturbide de tradición fotográfica añeja y Lebrija con sus juegos conceptuales desde lo cinematográfico para escultura, fotografía y pintura.

En ese mismo rubro en Museo Tamayo brillaron la exposición colectiva Abstracción Posible y la escultura de Mónica Sosnowzka para el patio del recinto. Un par de eventos muy particulares por su fuerte convicción por lo puramente formal; Abstracción Posible con un montaje alucinante y un número nutrido de artistas mexicanos en una curaduría de corte internacional, mientras que la escultura de Sosnowzka no deja duda de la capacidad de sorprendernos con su habilidad de transformar los objetos del cotidiano en esculturas monumentales.

Abril acabo con ART Room Talent, proyecto de venta para artistas emergentes en el CAD. Con un cuidadoso montaje, valiosos patrocinios y muchos recursos tecnológicos, decepciono la pobre oferta de artistas con obras francamente abusivas en precio -hasta para poner objetos reciclados en vitrinas hay que tener un poco de gracia ¡Caray!-. Pero el arte siempre tiene agradables sorpresas como TRES a quien vale la pena tener en el radar por cualquier cosa.

Regido por la inercia de Zona MACO desde hace 7 años, abril es mes fructífero para ver mucho arte en muy poco tiempo, intensidad cuya estela se puede percibir el resto de la primavera. Sin duda otra gran año para la feria. ¡Enhorabuena por eso!

Build a rocket boys!

2011-03-31T19:22:00.004-06:00

Elbow

Build a rocket boys!

Fiction (2011)

P. Craig Potter

Y la fama aconteció. Quienes acompañamos a Elbow los últimos 10 años desde Asleep in the back (2001) nos ahorrarnos la sorpresa, sabíamos que el mundo eventualmente reaccionaría a la capacidad del grupo para hacer melodías memorables. The Seldom Seen Kid (2008) y su oleada de fortuna crítica, acarrearon la cantidad justa de nuevos curiosos para que Elbow se coronara en el panteón del rock inglés al ganar el Mercury Prize. El resto de la historia es fácilmente relatada en un simple enunciado: La conquista del público masivo británico.

Build a rocket boys! (Fiction, 2011) supone el inicio de un nuevo ciclo. 4 discos de estudio y la reposición en vivo con orquesta de The Seldom Seen Kid, obligaron al grupo al re-planteamiento de sus bien ensayados trucos. Y no es que Build..! carezca de muchos de ellos. Pero desde el momento en que el disco abre con The Birds se puede sentir un Elbow fresco, listo para mostrar nuevos momentos musicales. El grupo envuelve con sus mínimas aportaciones -un bajo que puntualiza, un órgano instalado en la repetición de una sola nota, una batería apenas cadenciosa y una guitarra mas bien fugaz- la voz de Guy Garvey, la cual es el eje de la composición.

Alrededor de esta se construye el nuevo sonido del grupo, contenido y mínimo se vuelve escenario para que Garvey brille. No es para menos, por mucho Garvey es el mejor cantante de la escena roquera inglesa en este momento. Su registro es amplio y de variados matices, épico cuando emprende la difícil tarea de transmitirnos esperanza -Open Arms-, íntimo cuando nos recuerda los detalles mas triviales de la vida diaria -Jesus is a Rochdale Girl-.

No es que el grupo se haya minimizado para dar rienda suelta a la voz de Garvey. La fuerza de Build a rocket boys! radica en la delicada musicalidad sobre la que esta construido. Todo mantiene una cadencia melodiosa, todos los instrumentos van siguiéndose unos a otros acompasados, hasta determinado momento de descanso. Ahí la irrupción de la típica disonancia en Elbow hace que la canción tome dos vías, aquella con la que inicio y la segunda propuesta por la disonancia. El efecto es tremendamente hipnótico y colmado de ritmo -un ritmo lento, pero al fin y al cabo un ritmo-. Al principio puede costar un poco de trabajo por lo cansado de la composición de los fraseos, pero poco a poco queda uno envuelto en su magia.

Build a rocket boys! es la prueba de madurez de Elbow, su enorme capacidad para crear asociaciones que al oído parecen sencillas, pero que ponen en evidencia su complejo entramado cuando se presta la atención necesaria. Un absoluto deleite para escuchas exigentes, pero sobre todo pacientes.

En NME dicen que nadie como Elbow para describir los pequeños momentos de la vida, musicalice los suyos con estas joyas:

The Birds

Jesus is a Rochdale Girl

The Night will always win

The River

Open Arms

Senior

2011-03-22T21:25:00.004-06:00

Röyksopp

Senior

Dog Triumph (2010)

P. Berge, Brundtland

Y el bosque comienza a cantar, canta pero no dice nada, canta pero no canciones. Deja salir sus criaturas a exhalar, libera el rocío de la madrugada, deja que las luciérnagas deambulen frente a las miradas atónitas que las atisban unos segundos, para verlas desaparecer con prisa, provocando una sensación fantasmal en el ambiente.

Así el bosque respira pausado, no hay razón que lo altere, no tiene porque. En su profundidad hay espacios de locura y remanso, pero principalmente es un sitio estático y denso, lleno de espesor; exuberante pero no sensual. En él se esconden hábilmente guitarristas de western, voces que pasean en vaivén y alguno que otro remanente de un rave cuyos ecos comienzan a ahogarse al inicio del alba.

En contraparte de su hermano menor Senior (2010) no pretende agradar a quien acostumbra a Röyksopp para dar vuelo a sus ímpetus de baile con sentido de sibarita sofisticado. Röyksopp quiso mostrarse maduro, capaz de construir y evocar emociones primitivas, dejando que el río corra para que podamos escucharlo. En la búsqueda de una brecha que reconcilie a la mitad lo ominoso con la calma mas simple. Senior invita a hundirse en él, tenerle mucha paciencia y contemplar sus pequeños y cuantiosos detalles esparcidos en construcciones monótonas. Difícilmente es comparable con el Röyksopp del glamour pop, pero tiene todo el sentido cuando se piensa en su veta ambient con propensión a Gustavo Santaolalla y Jean Michel Jarré.

Porque a veces la madurez tiene que ver no con la búsqueda de la vanguardia a ultranza, sino en el deleite de una construcción profusa. El bosque que han montado los noruegos en Senior lo comprueba con creces.

P.D. Imperdible el video Röyksopp Adventures in Barbieland, igualmente perturbador.

Si cree tener la paciencia:

The Alcoholic

Senior Living

Forsaken Cowboy

The Fear

3 Sueltos. The Green Hornet, Superficies límite, SITAC IX

2011-02-09T12:44:00.013-06:00

The Green Hornet

Michel Gondry (2011)

Una anómala cantidad de carros voladores llenan la pantalla. No es la única peculiaridad en el devenir del avispón verde de Gondry. Las extrañezas sobran; una pareja protagónica con una tensión sexual homo-erótica latente, una "avejentada" actriz de soporte parodiándose a si misma, un villano con crisis de edad media y un héroe protagónico cuya principal virtud es ser un tamaño pelmazo. Contada así The Green Hornet (Gondry 2011) suena a receta para el desastre, sin embargo dista mucho de serlo, todo lo contrario; es un auténtico triunfo artístico de Gondry sobre el Hollywood que lo pedía a gritos dirigiendo un blockbuster taquillero.

El hijo dorado de la era del video en MTV lleva el guión del Rogen y Goldberg al paroxismo de la farsa, haciendo un filme francamente exagerado en tono, pero que le permite jugar como no lo había hecho en mucho tiempo. El alegato no es simplista. Gondry lleva la figura del súper héroe a donde nadie la había llevado. Britt Reid (Seth Rogen) es un gordo ocioso y acaudalado cuya nula meta en la vida lo hace querer ser paladín de la justicia. Lo que busca es acción y notoriedad para quitarse de encima la sombra de su padre (Tom Wilkinson), dueño de un periódico renombrado y comprometido. Así a lado de su patiño Kato (Jay Chou) evidentemente mas dotado en todo sentido que él, salen a limpiar la calles de Los Angeles logrando el efecto contrario al molestar al inseguro capo de la ciudad (Christoph Waltz).

El resto son explosiones violentas, asesinatos al mayoreo, "velado" homoerotismo, celos profesionales e inseguridades personales. Todo bajo la maravillosa visión fantasiosa de Gondry que al trivializar al súper héroe nos da cuenta de cuan absurda es esa idea y que lo único que queda es pitorrearse al respecto. Con hermosas imágenes, una edición trepidante, cámaras enloquecidas y aquello que podemos llamar el momento Gondry, el francés muestra el músculo, se nota confiado, sabe que sus productores y el guión le permiten tremenda hazaña. Michel Gondry esta de vuelta afortunadamente para todos.

Superficies Límites

Sofía Taboas en MACG

Nunca supe que pensar sobre el trabajo de Sofía Taboas (México D.F. 1968), siempre me quedo claro que era parte del rebaño Kurimanzutto y una de las partes activas de la modernización de la Esmeralda la década pasada, pero esos datos en mi pensar eran mas bien atribuibles a la fortuna, no al trabajo personal. Al final todo prejuicio parte de la ignorancia, y si Taboas es o no una artista valiosa, por lo menos lo que se puede ver en Superficies límite en el Museo Carrillo Gil se acerca mas a una respuesta afirmativa.

Mas allá de ser una revisión de mediana carrera -término francamente incómodo que trata de sustituir la idea de retrospectiva quien sabe porque- la exposición da cuenta exacta del trabajo de Taboas. Un lugar donde el minimalismo y la sensualidad se encuentran en un nivel básico de reflexión. Donde la escultura es en efecto, su forma mas tradicional, lo mismo engaño, que acumulación, que extracción, que sensación y textura. Es un manifiesto de forma y color que nos recuerda que mucho del arte contemporáneo tiene su raíz en las maneras mas básicas de hacer arte, y que no por eso no dejan paso a algo que cuesta trabajo nombrar como belleza.

Una excelente exposición en un museo al que le urgía una.

SITAC IX

Hace 9 años cuando SITAC (Simposio Internacional sobre Teoría de Arte Contemporáneo por sus siglas) vio su primera edición, Kurimanzutto -la influyente galería mexicana- tenía dos de existir. En su ponencia de aquel SITAC se preciaban de no tener un espacio fijo de trabajo, enarbolando la movilidad como su valor máximo. Para entonces Kurimanzutto representaba el pináculo del éxito de la posmodernidad, hacer de la movilidad statement sin morir en el intento. Eran los primeros años de nuevas instituciones en el arte mexicano, SITAC y Kurimanzutto fueron definitorias de los años por venir.

No sorprende que a nueve años del evento en cuestión SITAC IX fuera dirigido por un artista del rebaño Kurimanzutto: Eduardo Abaroa; a la mitad entre un académico informal (SOMA) y un arista de cierto respeto -un rebelde institucionalizado, pero no tanto-. Tampoco sorprende que inaugurará con una conferencia de Juan Villoro enarbolando la movilidad como valor supremo de la posmodernidad. Villoro inicio su parte hablando de aviones, aeropuertos y la supuesta incesante ansía de movimiento de los ciudadanos del siglo XXI. Era la invitación para hablar de calamidades durante los siguientes tres días.

Teoría de la catástrofe fue el disfraz elegido por Abaroa para volver a tocar los tópicos habituales del simposio; sus obsesiones por las relaciones del centro con la periferia, la observación del Otro como animal de zoológico, la redención social del gremio artístico mediante la acción comunitaria, la estetización de la pobreza y la pléyade de corrección política con sabor a izquierda de siempre, nos dieron pauta para pensar sobre la institucionalización de los valores que hace diez años los rebeldes impusieron cuando recién conquistaron el territorio que se le había negado. Ahora una década mas tarde se siente una deuda grande con estas instituciones, pero se siente también una sed de renovación que con Abaroa a cargo no alcanzó la gente de SITAC.

Aún así SITAC no deja de ser un espacio pertinente para la reflexión y este año aporto ponencias valiosas como las de Juan Villoro, Rubén Ortíz-Torres, George Osodi, Manuel De Landa, Superflex, Pablo Vargas-Lugo y Paula Sibilia. Urge renovar no el formato -que fue la apuesta de Abaroa- sino los tópicos, para que SITAC pueda terminar de consolidarse y hacer la transición hacía la madurez que le exige ser la institución regente en su rama.

Somewhere

2011-01-20T13:52:00.002-06:00

Somewhere

Sofia Coppola (2010)

Una empresa fútil. Un automóvil de lujo da vueltas en un circuito a gran velocidad. Lo intuimos por que la cámara inmóvil solo permite ver el vehículo unos segundos, el resto es la espera; al fondo el estruendo de la máquina que explota, hasta que por fin miramos de nuevo el auto en cuestión.

La primera escena de Somewhere (Coppola, 2010) nos convida de un momento en la vida de Johnny Marco (Stephen Dorff). Actor de cine; sujeto sin predicado. Marco pasa los días entre las actividades que le exige su profesión y el sexo casual al interior del Chateau Martmont. Solo cambiando su rutina cuando Cleo (Elle Fanning) su hija de once años lo visita de vez en vez. Dicha rutina cambia drásticamente cuando Marco se ve forzado a cuidarla una temporada indefinida, la cual incluye una gira promocional a Italia.

Somewhere es la acumulación de momentos estáticos en la vida de Marco. El testimonial de la mirada de Cleo sobre la vida de su padre -que no necesariamente la de Coppola con el suyo- sin juicios. Un relato simple de pequeñas anécdotas domésticas que en ocasiones son severas confrontaciones ontológicas y en otras simples momentos sensoriales del placer mas puro. Coppola revela una vez mas el abanico de sus obsesiones por todos conocidas desde The Virgin Suicides (1999) hasta Marie Antoinette (2006); el confinamiento, la extrañeza, el relato de incómodos mundos privados privilegiados que los mas desconocen, la sutil tensión de las relaciones entre los seres humanos.

Coppola apuesta por los recursos que se le conocen y los lleva al extremo de la contemplación sensual, una mirada complicada y poco cinematográfica, probablemente en una estética mas cercana al arte conceptual. Dura en su lectura pero suave en sus muchos detalles. Detalles para mirar, para imaginar sabores, texturas y olores. Se regodea en los múltiples cuadros costumbristas que retrata.

No juzga a sus personajes, los esboza con sutiles pinceladas, apenas los dota de personalidad quizás porque no requieren que conozcamos tanto sobre ellos, quizá porque no hay tanto que contarnos -como Johnny mismo que vive en el sopor de su vida sin sentido-, quizá porque el guión es solo un pretexto para la contemplación. Coppola (re)crea el universo de las relaciones fraternales, pequeños momentos memorables que hablan del amor inexplicable e incondicional entre padres e hijos. La intimidad de los Marco y su extraño día a día encerrados en hoteles, comiendo y escuchando idiomas que no comprenden, pero cuyo vínculo trasciende la necesidad de comunicación, porque son los actos mismos los que revelan ese amor. La fusión del Ser con el Estar. La presencia que es testimonio de la existencia.

La cámara estática retrata solo lo que esta al frente, confrontando al espectador con la desnudez sin atributos psicológicos o simpatías de las que asirse de los personajes. La cámara es testigo de la vida sin afeites, en espera del momento en que cada quien revele el secreto que yace en el fondo de su corazón. Mientras tanto el cotidiano camina con miradas breves que hablan de complicidad y perdón.

En Somewhere nada se resuelve en medio de grandes dramas, se parece mas a la vida real, largos espacios de tiempo perdido en la búsqueda del momento de quiebre, y luego de nuevo el silencio. Háganse un favor y no la comparen con Lost in Translation (2003) es injusto para una película que revela a una artista de veta dura. Somewhere acontece en otro lugar de la psique humana, es menos una fábula que canta los vericuetos del romance moderno, es mas parecida a la vida. Poderosa en imágenes, delicada y sin concesiones. No requiere de mucho si son capaces de leer mas allá de lo evidente, si son capaces de enfrentarse a la vida misma.

Millonaria

2011-01-10T19:42:00.004-06:00

She's a tease

Millonaria

C.R.I.O.S. (2010)

P. She's a tease, Milkman Botello y Gustavo Mauricio Hernández.

Una agradable tradición regiomontana: Dos voces. En She's a tease hay tres, una rapea y las otras dos se coordinan para susurrar sensualmente o para gritar con euforia dependiendo el caso.

En los inicios de la banda durante su transición de Arizona a She's a tease, el texto que tenían en su página MySpace esquivaba toda pregunta sobre ellos relatando la torcida historia de un científico y el desarrollo de una máquina del tiempo, en ambientes vaporosos rodeados de ritmos tropicales. Probablemente de esa fantasía evasiva sobreviven los sudorosos entornos que She's a tease evoca con facilidad.

El culto de She's a tease creció en la penumbra de internet, ayudados por alguna publicación que los ubicaba como la novedad a seguir del underground norteño. Era 2005 cuando la imprescindible Long Time Roll llego a oídos seleccionados, generando la mística adecuada para cada probable entrega de la banda. Gracias a la compilación bianual de HappyFi, She's a tease revelaba poco a poco mas secretos; hasta el golpe de popularidad radial: Datos íntimos (2009). Cada entrega variaba ampliamente en ritmo, pero no en su vocación por la pista de baile: Long time roll sofisticada, jazz y downtempo, Alfa y Omega esquizofrénica, juguetona y dub; Datos íntimos elegantemente disco. Todas perfectamente construidas. Uno comprende la ambición de la banda al primer toque del piano eléctrico, en ese momento se enamora de ellos. Se une a su creciente culto.

Cuenta la leyenda que Datos íntimos los llevo a Vive Latino gracias a un hashtag en Twitter que los reclamaba en el escenario. Después un video subido de temperatura -Why?- los llevo a MTVLA. Reemplazados frente a la cámara por modelos lo mismo sexuales que inocentes, los She's a tease propinaban otro golpe con sus armas habituales; misterio, sensualidad exacerbada y una extraña actitud candorosa. La descripción perfecta para su primer disco.

Millonaria (2010 C.R.I.O.S.) revela el misterio que celosamente el grupo guardaba para sí mismo. Su exuberancia va de la mano con pertinentes consignas sociales disfrazadas con livianos vestidos y ritmos bailables -Ciudad abierta, Ventas, Chenoa (Esto es oro)-. Coros pegajosos de voces andróginas que al unísono crean un universo festivo, guiados por una guitarra inquieta funky, un bajo lo mismo agresivo que voluptuoso, percusiones tropicosas y una pléyade de arreglos imaginativos que ocupan cuerdas, sintetizadores, metales y aplausos.

Un festín complejo en construcción, altamente efectista en su propósito. Fiebre de Jack es apología de pasarela con su marcado beat, Pan y vino es desborde erótico de dancefloor entre saxofones y trompetas, Genio de los deseos es dulce ensoñación pop que se hace urbana al ritmo de las rimas de MilkMan; puras excusas para seguir moviendo hombros y caderas.

En contraste los sencillos relatos de She's a tease hablan de la vida en los suburbios que cambia sus costumbres al paso de los años, de la adolescencia hacía la edad adulta. De como al crecer la simplicidad de los videojuegos y patinetas queda atrás al revelarse la naturaleza extraña del mundo y sus habitantes. Donde las princesas de cuento se transforman en interesadas damiselas que se venden al mejor postor y la ciudad abierta se vuelve un calabozo para quienes viven entre una violencia que no es suya, pero que les afecta directamente. Donde el misterio y la fantasía se disuelven al encuentro con una cruda realidad, donde el único residuo de cordura es bailar con la esperanza de volver a construir un mundo de ensueño y esperanza adolescente.

Un debut a la altura de las expectativas. Se acabo el misterio, para She's a tease es tiempo de vivir en la realidad.

Escuche:

Death

Ciudad Abierta

Pan y Vino

Genio de los deseos

Why?

2000 - 2010

2011-01-03T14:33:00.004-06:00

2000 - 2010 La era de MySpace (de la angustia finisecular al festejo del bravucón a ultranza).

Una huella honda e irreparable dejó el paso de los 10 años donde florecieron el uso de las tecnologías de comunicación en el quehacer musical. Desde los albores de Napster y otros programas de intercambio de archivos de usuario a usuario, pasando por el florecimiento de MySpace como plataforma de lanzamiento de nueva música, hasta tecnologías como Soundcloud que permiten acceder a millares de archivos musicales sin la necesidad de compra o registro.

La forma en que experimentamos la música cambio radicalmente, el esfuerzo para conseguirla se hizo mínimo. En nuestros días escuchar una canción determinada no necesita de estar pegado horas a la radio esperándola. Basta con buscarla por internet para acceder a ella. Se puede comprar inmediatamente y si se tiene mas pericia se consigue gratis. En los tiempos corrientes es mas fácil adquirir un disco por la magia de internet y sus trucos, que buscarlo en tiendas en formatos físicos. Todo esto en desafortunado detrimento de la calidad de sonido y el saboteo contra los artistas mismos. La venganza de los consumidores contra las disqueras y sus abusivos precios durante dos décadas cruciales en el crecimiento de la industria musical (1980's, 1990's) reboto en los artistas. Menos de ellos en disqueras que les garantizarán condiciones óptimas para desarrollar un proyecto artístico razonable -hacer del hecho de ser músico una posibilidad de carrera real-. El abaratamiento de la tecnología perfilo un esplendor en la oferta de artistas sin necesidad de los recursos que ofrece una transnacional; grandes estudios, productores de renombre, músicos de apoyo, promoción, distribución y un largo e incómodo etcétera. Lo cual le permitió a cualquiera desarrollar un proyecto y tener un lugar en la escena con cierta celeridad, una industria musical mas parecida a una cadena de comida rápida con los mismos estándares de calidad.

En dicho panorama no sorprende que cierta extracción social -la que se mudo del Upper East Side de Manhattan a los barrios menos prósperos de NYC- haya impuesto su agenda (The Strokes, Yeah yeah yeahs, The Rapture) quizá no explícita en manifiestos pero suficientemente clara en acciones, un regreso a un rock primigenio de vocación festiva. La cúspide barroca y angustiosa del Britpop y el Nü-Rock urgían de nuevos lenguajes para una generación desencantada de la política y el compromiso duro con las ideas o la coherencia ,exigencias duras para una década dura.

Al finalizar los noventa (1990's) aún no era moneda corriente la mezcla de géneros que parecían irreconciliables, como la actitud contestataria a ritmo de cumbia (Calle 13), hacia entonces los primeros fenómenos de mezcla "étnica" con avanzada roquera o electrónica se gestaban en los inicios de Nortec Collective o cuando Talvin Sigh gana el Mercury Prize en 1999. La moneda de cambio en la era de MySpace fueron las mezclas de lo impensable desprovistas del espíritu sardónico de los noventa. El desfile no es corto M.I.A., Juan Son, Disco Ruido, Moderatto, Vampire Weekend, Hello Seahorse! todos plantearon desde la mezcla de lo otrora kitsch una nueva sensibilidad dando paso a un everything goes impensable hace solo 10 años.

Así la década fue dominada por la búsqueda obsesiva de la mezcla perfecta entre un rock de factura adecuada, tanto para la disertación de la crítica especializada como para la integración a las listas de reproducción de los locutores de radio vueltos DJs profesionales (LCD Soundsystem, Daft Punk, Hot Chip, Justice). Hasta los músicos mas serios y comprometidos (TV on the radio, Broken Social Scene) buscan transgredir la frontera de la artisticidad exacerbada y la pista de baile. Toda canción debe complacer a todo mundo a través del único elemento de cohesión en la era de MySpace: La fiesta.

Los intentos por hacer música con un alma mas tangible se verían eclipsados por la necesidad del sencillo pegajoso en la oligarquía impuesta por la voracidad del internet como medio de promoción. Una mala época para músicos serios ante la omisión de una radio y una internet de corte simpático y simplista. Los canta-autores mutaron de piel para lograr notoriedad, los payasos de circo pulularon (Devendra Banhart, Adanowsky, Silverio), la incómoda intensidad o se adapto -con resultados controvertidos- (Chetes, Julieta Venegas, Cat Power) o se refugio en sólidas fanbases -si es que para el tiempo ya las habían forjado- (Ely Guerra, Iron & Wine, Björk). El florecimiento del Neo-folk tamizo esa necesidad de introspección y sensibilidad, con sus desafortunados momentos de hipsterismo a ultranza. La utilización del término hipster como concepto despectivo fue la coronación de la degradación del do it yourself indie en mero hábito de snobismo cultural; lo que siempre pasa en el rock actualizado por el uso de un nuevo disfraz.

Lo mismo bendición que hechizo, los ordenadores caseros e internet hicieron posible varias de las colaboraciones mas interesantes de la década -Postal Service, Gorillaz, Gnarls Barkley, Broken Bells-. Muchos de los proyectos mas ambiciosos fueron de la mano de las infinitas posibilidades que internet engendró como herramienta de comunicación. Lo que internet logró en ese sentido fue acercar a personas con un fin común. Una vez lo impensable se transformo en realidad tangible, a pesar de la distancia. El ser humano reto al tiempo y al espacio. Fue una época afortunada en ese sentido: Todo es posible, en un sentido francamente positivista.

Internet favoreció a unos cuantos haciendo creer al resto que era posible lograrlo sin los canales habituales. El éxito aún es cuestión escurridiza para los mas. La escena es tan basta como internet mismo, lo difícil es llamar la atención en un mar lleno de voces con el mismo propósito. Con todo, los canales tradicionales aún son los grandes orquestadores de las tendencias del indie (lo indie), sus grandes traductores y beneficiarios. Las disqueras dejan de invertir en los artistas, quienes construyen sus propias carreras hasta que se les absorbe para cobrar las ganancias (Zoé, Arcade Fire, Kings of Leon, Interpol). Serán pocos por los que una disquera apueste, un éxito radial en tiempos de MySpace no garantiza una vida en la música -y menos monetariamente- nadie ha enriquecido en tiempos de las descargas gratuitas. El valor de la música se ha esfumado. Nadie parece creer que es lo suficientemente importante como para invertir en ella. Y aún así se hacen bravuconas batallas en los charts de los que sí venden (Kanye West, 50 Cent).

La escena se compacta en su inmensidad -sobre todo ante la urgencia de lograr el éxito como banda para empezar un proyecto solista-, y como cada década habrá quien sepa sobreponerse a los cambios y sobrevivir una nueva tanda de años, hasta que las corrientes vuelvan a cambiar. Mientras tanto el mundo de la música pop (rock) se mantiene en vilo al pendiente de lo que lo obligará de nuevo a adaptarse. Las grandes alegrías de la década que inició -y sus grandes penurias- aún son esperanza por venir.

2000 - 2010 según Ampliación:

00 Juan Manuel - Plastilina Mosh

01 Maquillaje - Zurdok

02 Volovan - Volovan

03 Teleparque - Jumbo

04 Sweet & Sour, Hot y Spicy / Ely Guerra

05 Rosa Venus / Fobia

06 Memo Rex Commander y el corazón atómico de la Vía Láctea / Zoé

07 The Stars and the Suns Sessions / Chikita Violenta

08 Nos Llamamos / Nos Llamamos

09 Hu hu hu / Natalia Lafourcade

10 Hipnosis / Chetes

Hipnosis

2010-07-01T15:13:00.007-05:00

Chetes

Hipnosis

Mun Records 2010

P. Garza, Farías.

Conocen perfectamente la historia. Chetes es invitado a tocar en la banda Zurdok Movimento. Ahí se desempeña como segunda guitarra y voz. La banda alcanza cierta notoriedad después de ser la 1a afincada en provincia en ganar La batalla de las bandas. Firman con Polygram un contrato por tres discos y se integran a eso que la prensa llamó en su momento La Avanzada Regia. Provenientes de Monterrey y otros lugares del norte del país, los exponentes de dicho "movimiento" cambian la percepción del público en general de lo que era plausible en las fronteras del rock hecho en México. Zurdok probablemente fue la aportación mas sofisticada al asunto. Complejos discos conceptuales que combinaban insólitos arreglos de orquesta con fraseos de guitarra duros y algún eco neo-folk constatan el hecho.

Tres discos después la banda se desintegra, dando paso a Vaquero (2005); power trio de inclinación roquera-psicodélica, en la misma sintonía que su predecesor, con una notable diferencia: Simplicidad. Las canciones de Vaquero conservan el complejo entramado de arreglos musicales de Zurdok con una fuerza y concreción que los distingue de su anterior encarnación. Para entonces Chetes ya podía considerarse una figura de culto en la escena latinoamericana. Auténtico sinónimo de vanguardia, siempre sorprendente en su búsqueda de nuevos sonidos para ideas viejas.

De ahí que su carrera solista sea un poco incómoda para propios y extraños. Blanco Fácil (2006) es un hermoso compendio de baladas pop con aliento campirano, un clásico inmediato tanto del rock como del pop mexicano. En contraste Efecto Dominó (2008) es vuelta al origen; un ejercicio de americana y blues salpicado aún del pop de manufactura radial. Efecto Dominó fallo en lo que Blanco fácil triunfo sin gran problema: ubicarse en el punto medio entre el gran público y uno mas alternativo. Para quien debía ser el gran redentor de la música pop en México, eso se interpreto como un sentido fracaso. Jamás el pop ha perdonado a alguien que tropiece en el camino al éxito. Y eso es algo que Chetes jamás ha necesitado. Un trono de un espacio que no le interesa.

Así una vez mas se enfrenta al mundo solo. Completamente. Salvo contadas excepciones Hipnosis (2010) es un intrincado ejercicio personal, donde hasta el mas mínimo detalle proviene de las manos del regiomontano. Cada sonido pasa de su cabeza a la mezcla sin muchos intermediarios. Hombro a hombro con Jose Antonio Farías, uno de sus principales colaboradores a lo largo tiempo -el otro indiscutiblemente es Mauricio Terracina con quien compartía en Zurdok y Vaquero- Hipnosis es el regreso de Chetes al punto de origen. Una suerte de cita de si mismo a quince años de empezado el andar del camino.

Hipnosis rebosa de extensos himnos triunfales, siempre roqueros en su construcción vertiginosa. Un disco dinámico hilado de cabo a rabo, donde Chetes pone en juego toda su capacidad creativa en el alba de su madurez. Canciones de sencillo esqueleto que crecen conforme se van vistiendo apropiadamente, sin tropiezos. Cada detalle es discernible en Hipnosis, su hermosa mezcla esta elaborada para percibir cada componente del combo. Y sin embargo a pesar de su abigarrada construcción -habitual en el regio- se siente dinámico todo el tiempo, sobresaliendo la economía con la que cada elemento esta dispuesto.

Hipnosis toma lo mejor que cada encarnación de Chetes y nos muestra su cara madura, además de contar con su propio repertorio de novedades. Bajos lleno de groove, harmónicas y letras bien armadas -su gran problema hasta ahora, era cierta torpeza con respecto a la lírica de sus canciones- confirman que aún hay derroteros por descubrir para el joven músico. Inevitablemente Hipnosis para las dudas de quienes daban por sentado a Chetes.

Lleno de emociones: Dramático, épico, dinámico, obscuro y tenso todo a la vez. Es el drama sinfónico en Espera tu turno, es el road-movie venido a filme de terror de Arena, es la esperanza multicolor luminosa en Ecos y ruido, es el western neo-psicodélico de Remedio, es la denuncia en Despierta. Canciones que hablan de si mismas (La ciencia no es exacta, Hipnosis) y canciones que se comunican unas con otras. Chetes se arriesga con letras que son imágenes mentales abstractas, pequeños cuentos sobre la mente humana en estado alterado. Comentarios breves hechos canción sobre la condición humana. Toma el riesgo de cantar gritando. Evita contener las emociones que requieren sus nuevas canciones. Nos recuerda lo mejor de su voz en tiempos de Vaquero.

Así apreciamos a Chetes en toda su extensión. Director de su propio proyecto, creador de un sonido único que después de todos estos años ha logrado reducir las reminiscencias de sus múltiples influencias, para transformarlo de una vez por todas en su sonido, con todo lo que lo distingue. Una amplia selección de teclados; orquestas con especial predilección por los vientos, vibraciones que van y vienen, finales psicodélicos que se descomponen hasta dar paso a nuevos sonidos. Todo condensado en un maravilloso disco que nos recuerda porque Chetes tiene 15 años sorprendiendo con cada movimiento que hace. El paso dado con Hipnosis no es en vano, es el paso definitivo para seguir creciendo.

Imperdible, escúchelo completo. Ampliamente recomendable.

Dato de trivia: Las baterías del disco fueron interpretadas por los bateristas de Jumbo (Enrique González y Alberto Ramos) y algunos teclados por Alejandro Rosso.

Hombre Invisible

2010-02-02T18:52:00.004-06:00

Ely Guerra
Hombre Invisible
Homey Company 2009
P. Froivedal, Guerra, Hecht.

Con la distancia de los años la historia de Sweet & sour, hot y spicy (Emi 2004) se siente un poco extraña. Exuberante por todos sus poros, su complejo entramado de fantasía amorosa fue el ancla definitiva que afianzo a Guerra y su banda como parte de la vanguardia musical mexicana. La combinación de sonidos estridentes, folclor pueblerino y sensualidad exacerbada dieron cuenta de su amplio espectro musical. A consecuencia de las giras S&S,HYS engendro dos hijos: Teatro Metropolitán (Emi 2007) y Plug & Play (Emi 2007). Ambos discos con versiones en vivo; uno explosivo, el otro intimo. Ambos catárticos e intensos. Ambos, el repaso de una carrera marcada por la lucha a contracorriente protagonizada por la artista desde su inicio hace mas de 15 años.

En consecuencia se hace inevitable pensar en esa carrera llena de vaivenes. Ely Guerra (BMG 1992) -principio precoz e inoportuno- y Pa’ morirse de amor (Emi 1997) –todo desazón y congoja- fueron los primeros intentos buscando una identidad que fuera bien con esa personalidad compleja. Lotofire (Emi 199) sería entonces su primera incursión en la vanguardia musical, pero también la primera en el inmortal tema del Ser y la dignidad personal. Entonces se le reconocería como una figura vital en la escena, un aliento que sí bien fresco, sorprendería por su dificultad para ser asimilado.

Hombre Invisible (Homey Company 2009) supone un regreso a una Ely Guerra cuya letra y música son difíciles de penetrar. Atmósferas difusas llenas de pesados ambientes le colman; complicadas construcciones que divagan entre lo etéreo y lo anegado. En ese fondo musical resaltan riffs psicodélicos y figuras de piano que aparecen como luciérnagas con una luz lo mismo clara ,lo mismo difusa; siempre conducidas por un bajo potente, sobrio y funcional.

Existe la persistente sensación de un zumbido que se prolonga a lo largo del disco. En Colmena la alegoría se entiende perfecto cuando se penetra en el avispero donde un moog vuela entre nosotros, dejando a su paso un simple efecto de estática que espesa la canción; el truco se duplica en Lento Funeral como evitando cualquier espacio donde el vacío pudiera manifestarse. En Hombre Invisible existe una entidad omnipresente, que es mas fuerte que nosotros. Aún en sus espacios de silencio algo zumba, al vibra suavemente, algo que jamás desaparece, el vacío no existe.

Quizás por eso la banda evita sobrecargar sus interpretaciones, en contraste con S&S,HYS donde el arreglo musical se logra a partir de contrapuntos muy elaborados. La forma de tocar de los Elys Guerra en Hombre Invisible es directa, evitando adornos innecesarios haciéndola una placa –virtual- fuerte, basada en su concreción mas que en la explosión de pedales u órganos ventosos. Esta inmediatez le otorga una sensación inevitablemente roquera, esa masculinidad buscada de antemano en el proceso de composición que ahora todos conocemos.

Un disco que versa sobre el Ser, lo espiritual, la dignidad, el devenir y la despedida, con la poesía de Guerra luchando entre la abstracción y la descripción puntual de sus sentimientos. En la roquera Mi condición (por mucho la mejor canción del disco) confiesa su espíritu de manera descarnada, comparada con Antes de septiembre (mucho mas rítmica, un franco bossa nova) la cual aborda su tema; el final de los ciclos, de manera harto abstracta. Una voz madura que es capaz de lograr alturas insospechadas -una vez mas reluce Lento Funeral como ejemplo-. Juegos de voces que suspiran, gritan, ululan, se contienen y son liberados; Guerra expone sus facultades con sus principales instrumentos –voz y letra- los explota como nunca antes, como textura, como voz cantante, como fondo y como figura.

Hombre Invisible es la afirmación de alguien que decide una vez mas implicarnos en su proceso de vida, en hacernos participes de su introspección. Es mirar al interior. Con un sonido que por momentos recuerda a Zurdok, Hombre Invisible es la encarnación mas roquera de la Guerra y su banda. Un disco de difícil acceso aún para sus fanáticos mas duros. Una nueva vuelta de tuerca en un artista acostumbrada a cambiar con el soplar del viento. Masculina y femenina. Que se toma su tiempo entre cada encarnación para ofrecer algo completamente diferente en cada entrega. Hombre Invisible muestra el inicio de una Ely Guerra madura en todo sentido. Y eso se agradece en tiempos urgidos por significados trascendentes.

Recomendamos ampliamente:
Lontano
Mi Condición
Bumerán
Antes de septiembre
La Habitación

Se ven barcos allende el horizonte.

2009-10-16T00:37:00.001-05:00

Pronto llegarán a la costa.
El regreso de sus tripulantes esta cerca.

Art it's all about grammar.

2009-02-20T14:32:00.001-06:00

Sr. Vargas Llosa:

2009-02-12T15:24:00.003-06:00

Referente a este artículo en Letras Libres (Febrero 2009)

A riesgo de sonar pesado:

¿No es todo esto mas bien una nostalgia por un mundo que ya no es? Que incluso nunca fue.

Viviendo en este mismo mundo, pero con muchos menos años menos que el Sr. Vargas Llosa, solo quiero decir que quizás esta realidad ya no es capaz de hablarle de algo al respetable señor.

¿Dónde quedaron las luchas del siglo XX para democratizarlo todo?
Parece que el Sr. rebuzna por algo que propicio de alguna u otra manera con su literatura. que quizás no salió tan bien como esperaban los entonces creadores de cultura. No puedo admitir que diga que en el mundo donde vivo no hay valor, porque entonces las lecciones que aprendimos del siglo pasado no sirven de nada. No puedo admitir que alguien que va de "salida" nos diga como debemos entender la Cultura los que aún somos sus actores, los que heredamos el caos provocado por el pasado inmediato.

Y menos admito que toda una generación que fenece, la cual nos enseño a tirar piedras, ponga el grito en el cielo cuando sus ventanas son las que se estrellan.

-Y tampoco estoy diciendo que esta sociedad este bien, es solo el resultado inmediato de lo sembrado por la anterior, igualmente snob y elitista como muestra este destacado intelectual en su texto-

Me ofende su artículo, de verdad.

Alessandro Baricco es mucho mas abierto al respecto en el mismo número de la revista.

Una media hora mas hubiera aclarado mejor las cosas

2009-01-28T11:01:00.003-06:00

Aún no entiendo como algo tan fugaz como los Libertines puede tener ese peso en la "historia".
Esa idea de su importancia ¿Durará mas de 10 años en la memoria colectiva en tiempos de myspace?
¿Qué en todo caso los que cambiaron el juego de reglas no fueron los Strokes?
Ellos cambiaron la forma de vestir, actuar, pensar el rock. No tenemos porque hacer crecer el mito de que el rock de una cosa de working classes por que la mayor parte de las veces no lo es.
Y esos héroes de clase trabajadora al final, se convierten en monstruos engreídos de los tamaños de Noel Gallagher, o mesías pseudo artísticos como Paul Hewson.
Todo por sus culpas de clase media.

Nueva América

2009-01-19T12:25:00.005-06:00

Happy-fi,Labels, Emi, 2008
P. Benavente y Mauricio
Producción adicional: González, Roberts, Vinall.

Definir a Quiero Club es como describir la sensación de beber Dr. Pepper. Su predominante sabor cola disminuye cuando entre las burbujas emergen sabores inesperados al paladar. Para entonces es difícil definir su gusto, cada trago la sensación muta. Lo verdadero es lo sencillo que resulta familiarizarse con él, cada sabor evoca y es inevitable encariñarse con el refresco.

Quiero Club efectivamente sabe a muchas cosas, degustarlo implica saborear cualquier reminiscencia imaginable, pero es su fina amalgama lo que lo hace único. Quiero Club es como la estación de radio de un país que no existe. Donde la programación es suficientemente variada a pesar del evidente buen gusto de su selección. Allí se encuentra sin forcejeo baile, humor, reflexión, Pop y experimentación. Sin importar cuan disparatada sea la mezcla, negocian consigo mismos antes de perder la compostura.

Entre los ingredientes que componen el cóctel Nueva América, esta la base del omnipresente sonido Happy-Fi, la cual se funde con los distantes ecos de Blondie, Beck, Madonna, Plastilina Mosh, Talking Heads o the Rapture; jamás desagradable, siempre un paso adelante. Vanguardista e internacional. Un todo terreno disfrazado de alta costura. Eternamente lo-fi y ¿Porqué no? De grandes ligas.

Único.

Juzgue por usted mismo:

It’s all about Dun Dun
Fin de semana sin fin
51

2009-01-09T19:56:00.001-06:00

2009 y lo que eso implique.

Sobbing

2008-12-19T13:23:00.004-06:00

Disculpa.

Es solo que no puedo prometerte nada concreto.
Quizás alguna aventura y una pizca de momentos "mágicos".
Nada mas.
No soy hombre para mirar al futuro.

-Disculpa, es que aún no te quiero llenar de mis histerias-

24 en 44

2008-12-09T13:49:00.000-06:00

I will kill again / Jarvis Cocker

Jamás lo dudes, una y otra vez lo haremos porque es la naturaleza humana. Nadie es tan bueno, ni tan malo. Recuerda somos prismas geométricos, llenos de aristas.

Higher / The Cardigans

¡Ay esa punzada! ¿Sabes? Un amigo te hace bien, se convierte en algo importante. ¿Y después? ¿Cómo se hace para tener los beneficios sin tener responsabilidades?

Así es / Zurdok

Resignación. Así es como se construyen los grandes imperios. Un poco la renuncia y otro poco entender el devenir.

Green fields / The Good, the bad & the Queen

Sobre el futuro, una posibilidad apocalíptica y utópica al mismo tiempo. “Vimos los verdes campos convertirse en piedra, tan solitarios hogares”.

We’re just friends / Wilco

Más de una vez este año que culmina alguien lo insinúo, siempre manteniendo a raya el riesgo. Y al unísono entonando la dulce balada de algo que podría llamarse amor.

Amargos aliados / Azulvioleta

Uno busca hacerse de una esperanza, se construye alrededor de la buena voluntad. Quiere que la herencia hippie perdure. A veces se puede y otras no, pero es importante no olvidar que sí nosotros no pregonamos con el ejemplo, pues no somos mas que otro siervo del lado obscuro. “Lo vital no cuesta nada”.

Sleeping Jiva/Tattva / Kula Shaker

Que al final lo que queremos todos no son solo tiempos nuevos, eso viene solo por el mero transcurrir del mismo. Queremos tiempos mejores, alejados de la fantasía de la realidad.

Hunting bears / Radiohead

Toda historia tiene un villano. Es lo que hace a los cuentos de hadas a prueba del tiempo.

Come together / The Beatles

Juntos “over me”.
-una de las pocas canciones de los Beatles que me gusta sinceramente-

Plastic / Portishead

“Porque me importa y no solo pretendo”.
-un poco de movimiento histérico para no variar-

Ella no me conoce / Austin Tv

Piensa que todo esto fue un cortometraje de 45 minutos, los créditos finales se despliegan en la pantalla y sientes ganas de llorar por que acabas de darte cuenta; fue una gran película a pesar de todo.

All apollogies.

2008-11-28T15:43:00.001-06:00

Ok Ok Ok.
Quizás exagere.
Es solo que no sé como hacerlo.
Tú lo sabes.

Tutsi-pop

2008-11-25T15:20:00.003-06:00

Es evidente.
El mundo conspira en contra nuestra.
¿Cuántas señales mas necesitamos para entender?
No estamos en posición de pedirle al mundo respuesta sobre el chiclo-centro de la existencia.
Cada acercamiento condenado de antemano.
Cada intento suprimido al convocarse.
Cada estupidez.
Cada momento de contención dejándole al otro la decisión.

Cada puta vez que quiero ser parte de la humanidad.

2.

2008-11-15T14:19:00.002-06:00

Últimamente no me bastan muchachos.
Se agudiza al grado de querer recaer.
Recaer sin sentido de conquista o futuro promisorio.
Recaer por esa estupidez de soledad.
Últimamente me cuesta mas trabajo.
Además de que jamás lo dije antes con nadie.
Quiero poder decirte que quiero verte porque necesito un copiloto de vez en cuando.
Sobre todo después de ejercitar el puto futuro.
Sabes estoy cansado y necesito un hombro.
-creo-

1.

2008-11-10T13:45:00.002-06:00

Ramsés fue feliz.
Vimos a Niña como pienso que debe verse a Niña.
Una fiesta pequeña, una casa burguesa y al filo del pasto.
Las luces que giraban sobraron.
Jamás vi a Ram tan emocionado en el tiempo que tengo de conocerlo.
Como siempre suspiro un "Hizo falta Brianda".
También hacías falta pero como que ese pensamiento no tiene mucho sentido.

Entonces: ¿Estás enamorada?

2008-10-31T12:39:00.002-06:00

O esa mirada ¿Qué se supone que significa?
Cuando abres las piernitas y te montas en el ciclomotor, con tu casco y los audífonos del Ipod repartidos cada uno en cada cabeza.
O cuando un semblante lleno de tranquilidad -poco habitual en usted- la invade.
Y sus ojitos se llenan de brillito cuando le invoca, aunque sea llamándolo maricón.
No es que me mortifique verla de esa manera, pero es inusual.
Usted siempre tan independiente, ya sea en sus altos tacones o en sus viejos Panam, ya sea vestida para matar o recién de pie en pijama.
Jaloneando al muchacho para que deje de beber.
A altas horas de la noche comiendo churros en un café.

¡Ay amiga! ¿Qué te pasó?

Creo que estas perdidamente enamorada...

O empezando a estar...

Ji, ji, ji.

"Renacer es un proceso que duele..."

2008-10-22T15:28:00.003-05:00

Y además es cansado.

Por ejemplo León fue fin y principio, además de Autolata y La Guerra guerrera.
FWM es otro ejemplo, muchos fines anunciados, pero también nuevos comienzos.

Y pues es cansado porque hay que manejar para ir a León, y no es cansado porque hay gente a lado escuchando y opinando. Y porque al final hay fantásticas botaneras.
Y es cansado porque son las últimas de acondicionar El Consultorio: el nuevo hogar de Suéter.
Y hay que ir y venir para estar en todo y además cumplir las obligaciones.
Y es chistoso porque repentinamente la gente entra y sale, regresa para salir y entran para quedarse y ese vaivén también es cansado pero a pesar de todo es bonito.
Y pues es lindo pensar que con todo la vida no se acaba, todo es parte y es lindo porque si.

Y al final no importa cuantas veces tengamos que hacerlo, renacer es un proceso que duele, pero como dice la misma canción "... ahora se que empiezo a crecer".

Manual de usuario.

2008-10-03T15:44:00.002-05:00

Sobre el cortejo con el producto.

Sí me ligas, que no sea en el baño.
Sí es en el baño no estes en la ebria.
Sí estas en la ebria mínimo emparéjame.

Tres historias cortas.

2008-09-23T17:34:00.000-05:00

1

Hubiera querido tener un momento significativo para recordar con candor. Jamás fue normal todo lo que paso, que no fue poco. A veces pienso en las miles de veces que especulé que quizás esa noche no pasaría como siempre. Que quizás solo nos dedicaríamos a estar juntos. Jamás paso. Menudo crédulo que siempre he sido.

2

En cambio la colección de estadios de pureza consagrada hacen pensar que eso no estaba mal. Aún así el recuento de los instantes en que la vida se tiño de felicidad es mucho mas prolongado en tu caso. Un momento en que hubieras flaqueado y el mas grande de los amores platónicos sería ahora una épica digna de novela. Lo que nos queda es este post en un blog que nadie ya lee.

3

Esa magia a veces no basta. Tampoco creer que quien esta frente a ti alcanza para redimir una vida dedicada a la nada. Nadie es tan importante para arrastrarte a lo trascendente. Ni nadie es tan trascendente. Solo soy un humano sabes. También la erró, también te hice daño al hacerte creer que soy mejor que tu. No me creas… ¿Qué no has visto mi vida? Quizás la observaste con demasiado detenimiento, no te culpo. Tampoco te festejo. Aún te extraño pero pues eso que.

3

2008-09-10T12:37:00.002-05:00

1- Amor con rostro adolescente. Amor de adolescentes mas bien.

2- Extraño amor a primera vista.

3- Solos entre amigos, amados entre amigos.

Así fue.

Vampire Weekend

2008-09-01T14:42:00.001-05:00

P. Rostam Batmanglij
XL 2008.

Últimamente podemos observar en acción a Vampire Weekend en cortinillas para Mtv donde se los presume –implicitamente- como la nueva joya de la corona del rock estadounidense. Su gran aportación; ofrecer una cinta de sonido perfecta para enmarcar la diferencia entre el do it yourself y el indie: La extracción social.

Su compleja combinación –extrañamente fresca y pop- de música ‘culta’ con los olvidados trucos de estructuras rítmicas musulmanas encarnizados en el recuerdo de The Police, y el punk neoyorquino actual, mas cercano a la avenida Park que a CGBG, configuran el paisaje del campo de batalla de los Weekend. Costosas universidades de la Liga Ivy, almuerzos campestres en Los Hamptons, la transición de la adolescencia a la madurez en medio de los ritos de un ambiente que se regodea en su clase social privilegiada. Inmediatamente llama la atención el contraste con otros rockeros de la misma ciudad de New York, aquellos quienes buscan evitar a toda costa esa imagen, adoptando una actitud de bohemia punk. La imagen prepy de Vampire Weekend hace statement, ligándolos con artistas que tienen mas que ver con el cine que con la música.

Así pues rodeados de opulencia, pero deseosos de punk, Vampire Weekend nos dibujan claramente sus historias de amores universitarios, mentores que decepcionan al descubrirseles humanos, comentarios de clase-raza y el habitual y rockanrolero estar fuera de lugar en medio de la quinta escencia de la alienación social. Vaya: Ser muy rico, estar demasiado preparado, tener demasiadas oportunidades, y aún así elegir lo mas difícil; ser el extraño.

Desde esta honestidad que resulta ofensiva para la mayor parte de las personas que habitan el planeta –o que mas que habitarlo, lo sobrellevan- sorprende la universalidad del mensaje de los Weekend. En lo particular, es de las pocas bandas que conozco que no ocultan su evidente lugar en la escala social. Al no negarlo, nos invitan a conocer ese mundo de los muy pocos, para reflejarnos en él y descubrir que la angustia humana esta en el corazón de la especie. Nada los diferencia del resto. Salvo su nata capacidad para crear esa música fantástica, unas veces tan simple, directa y breve; otras tantas dándonos pasajes para imaginar mientras gozamos de hartos elementos melódicos de épocas muy remotas. Un grupo punk apoyado en cuerdas, clavecines y chamberlains que evidencia que la inocencia que transmite su música –esa sensación persistente de ingenuidad- es una construcción tan elaborada y artificiosa que solo puede ser ejecutada por alguien con mucha ambición y recursos interpretativos/discursivos.

Y ese engaño, tiene a la crítica comiendo de su mano desde hace un año aprox. cuando las publicaciones vociferaron por lo alto que tuviéramos a estos muchachos bajo la mira. La atención ha valido la pena.

Pruebe con:

Mansard roof
M79
Campus
One (Blake´s got a new face)

El piensa en carros.

2008-08-22T12:43:00.002-05:00

1

El piensa en autos.
Piensa a donde lo llevarán y acompañado de quien.
Y porque.
El piensa en aviones.
Piensa a donde volará y con quien.
Pero no hay nadie.
Nadie.

Torpe traducción de He tought of cars, Blur, 1995.
2

A veces la gente toca la vida de las personas.
A veces quisieran que eso no pasara.
Pero cuando pasa, ni toda la posibilidad tecnológica del mundo permite borrarles.
Los “eternos resplandores” son ficciones perfectamente estructuradas para los cobardes que creen que equivocarse es perder el peinado frente a la muchedumbre ansiosa de sangre barata.
Creer que podemos empezar de nuevo en ceros, es fácil.
Hasta que nosotros mismo volvemos a atraparnos con nuestros propios miedos.
Jamás estaremos satisfechos, y cuando la duda nos vuelve invadir, pues…
La gente toca la vida de las personas.
Y borrarles no basta.

Nothing to be scared of...

2008-08-11T12:42:00.002-05:00

El futuro no me asusta.
El señor es mi guía.
Mi padre.
Mi rey.
La fantasía de la felicidad compartida se apaga suavemente.
Todos alrededor de ella colapsan pues indignos se saben.
Mañana da inicio la verdadera guerra.
Los aliados de la mano, los enemigos con la espada por delante.
Todos bañados en sangre.
Nada que temer.

Y aún así a veces…

Nos Llamamos

2008-07-31T18:13:00.000-05:00

P. Alvarez, Melgarejo, Perez, Ruiz, Thulin.
Intolerancia / Silicón Carne 2008.

1

El documental sobre la historia del rock inglés Seven ages of rock, producido en conjunto por la BBC y Viacom (VH1) presenta una peculiaridad curatorial repecto a su contenido. Para definir la esencia del primer rock británico, obvia la figura de los Beatles, prefiriendo poner el acento en las aportaciones de Rolling Stones, los Who y Cream. Sí bien la decisión se antoja controvertida, esta permite delinear el panorama musical de entonces, sin la abrumadora presencia de los de Liverpool. También permite al espectador observar la transformación del blues negro estadounidense, en esa cosa tan valorada al final del siglo XX que llamamos Rock.

En el citado episodio –el primero de siete emisiones- se aventaja a los Who como la primera banda netamente roquera. Alejado de los parámetros del blues, convirtiendo al rock en algo complejo y estridente, el sonido de los Who no solo abarcaba las posibilidades instrumentales del grupo; además comenzo a transguedir los limites de lo musical. Utilizando los vicios del audio como parte escencial de la estructura de sus canciones. Todo esto, combinado con su actitud escénica arrogante, fueron los detonantes –según el citado documental- del sonido rock a partir de entonces: Una mezcla del sonido de la guitarra electrica, con una solida base rítmica que la acompaña, permitiéndole brillar en todo momento.

Con Cream –continua el documental- esta estructura armoniosa donde el grupo trabaja para el guitarrista es rota. La franca competencia entre musicos virtuosos apresura la aparición del solo roquero. Esa obsesión de ir mas lejos que el compañero, en el intrincado juego de la perfección interpretativa, proveniente mas del jazz que del blues.

Entonces, el clásico rock británico se definiría así mismo por estos dos elementos. Agregando el descontento social que década tras década le alimenta de juventudes resentidas contra el “sistema”.

La compleja teatralidad de los Who y Cream serían una fuerte competencia para la piscodelia durante el verano del amor en América; psicodelia de la que no estaban exentos los grupos ingleses, pero cuya raíz provenía de los osados juegos entre sus brillantes musicos. En contacto con el aspecto violento y masculino del rock, que para los musicos americanos en la femenina era hippie, era una fuente de inspiración impensable. De ahí que pareciera que los Beatles fueran abanderados de una nación a la que no pertenecían. Bien lo dice Homer Simpson: “Nuestros Beatles, sus Rolling Stones”.

2

Al seguir la transmisión de los episodios de Seven ages of rock, no puede uno evitar pensar, que ante la psique colectiva mexicana, hay cantidad de grupos que jamás existieron. Probablemente un documental de las mismas dimensiones dedicado al rock estadounidense, nos dejaría la misma sensación de lagunas mentales. La asistencia a los recientes conciertos de los Who en la Ciudad de México regala una idea de lo aquí expuesto. Quizás los Beatles de los que se ufana Homer Simpson como norteamericanos, son los mismos venerados en tierra mexicana. Y esa veneración crea esos vacios en la historia del Rock que conocemos en México.

Un punto para reflexionar.

3

La primera vez que tuvimos el chance de escuchar a Nos Llamamos en acción, estabamos en el Hotel Señorial cosa de menos de 20 pelados. Aquella noche alternarían con el Mexican Favorito, cosa muy rara. Llegamos a conocer a la banda porque su entonces gerente formaba parte de Suéter, y entonces sentíamos la necesidad de involucrarnos en todos los aspectos que fueran parte de nosotros. Cuando cuestionábamos a nuestro amigo sobre el sonido de la banda, la respuesta era simple: “Rock, tocan rock”. Ninguna otra explicación se nos daba.

El recuerdo de Nos Llamamos tocando antes esas pocas personas es muy claro aún. Repentinamente las ausencias fueron suplidas por la energía del grupo. Bronco, pesado e inteligente, el rock de Nos Llamamos proviene de una escuela que poco se conoce por estos lares. Aún así uno puede sentir el pulso de las siete edades del Rock por sus venas. En aquel momento pensamos que Nos Llamamos llenaba esos agujeros en la historia del Rock en México –tanto los que se refieren a nuestra ignorancia sobre cierto tipo de Rock, como aquellos sobre el tipo de Rock que hemos hecho a la fecha-. Su talante clásico y su necesidad –necedad- por lo abstracto los define en una vanguardia ininteligible para nuestra escena.

Lo primero que se nos ocurrio fue relacionarlos con los Who. Unas tocadas mas y un proyecto compartido en Cholula Puebla –Suéter, Nos Llamamos y Robota- descubrimos su afición por Queens of the stone age, la cual es profundamente notoria en su sonido. Aquella ocasión la aparición de un viejo órgano agrego un elemento fuertemente psicodélico y obscuro.

Son perfectos, épicas canciones eternas, mezcladas con breves ejercicios roqueros. Una batería sin temor a ser demasiado estruendosa. Una guitarra que igual toca con prisa que con precisión. Un bajo lleno de figuras que lo mismo apoya que protagoniza. Un sonido lo-fi progresivo contundente. Y la ironía con la que pisan el escenario. Burlándose del público con su lenguaje irreal, redimiéndose después en sus demoledoras interpretaciones.

Rupestre y Mal nacidos quedaron fuera. Por lo tanto de aquella banda de rock abstracto que conocimos entonces, solo quedo en la placa debut Roquera. Ignorantes sobre la decisión de eliminar el material anteriormente grabado del disco, probablemente la breve y agresiva placa se hubiera extendido innecesariamente a la hora de duración. En lo personal yo lo hubiera disfrutado.

En todo caso la banda sí bien perdió el ímpetu abstracto literal, las letras no dejan de lado ese aspecto. Las imágenes que sugiere Nos Llamamos remiten a colores, sensaciones, situaciones. Ocasiones tristes o épicas modernas llenas de ruido y violencia, siempre asombrándonos con el virtuosismo tan poco usual en estos días.

Sin embargo las ocho canciones nuevas que componen este debut no dejan ninguna duda de la vocación roquera de la banda. Sus influencias están todas latentes, otorgando cada una su sabor. La psicodelia en sus órganos vibrantes y convulsos. Queens of the stone age en sus composiciones estructuradas en tiempos que se rompen continuamente. El feed back y la batería en Los Who. El misterio y lo sombrío de los ambientes acostumbrados por Radiohead.

No sabemos sí estos chicos algún día conquistaran el mundo.
Por lo pronto el primer paso esta dado.

Intermission.

2008-07-30T18:38:00.001-05:00

Pos me siento raro.
Pero "suave ruge el viento".

Pronto posteos de verdad, lo prometo gente.

Commercial Break.

2008-07-22T14:04:00.002-05:00

Abrimos el Cuarto de Proyectos Suéter/Abo.
Una leve "depresión post-parto" me aqueja.
¿Será que de verdad a los 26 se nota eso?
A pesar de todo no tengo miedo.
Leo sobre la angustia, bueno empiezo a leer.
Tiene mucho que no leo.

Mucho.

2008-07-15T10:26:00.002-05:00

Universal 2008
P. Babasónicos

La oda roquera Anoche (Universal 2005) probablemente sea la entrega más certera de Babasónicos. Alejados de la mezcla de romanticismo camp y electrónica groove, los argentinos captaron la esencia del rock escandaloso y arrogante de los setenta (1970) , esa que ensayaron por décadas, condensándola en 12 canciones sin concesiones. Anoche es un franco reclamo a todos los falsos profetas que izan la bandera del rock y sus supuestas samaritanas buenas intenciones, sin conocerlo directo a los ojos.

Por ello Anoche rompe de alguna manera la continuidad de una trilogía empezada en Jessico (2001) ahora coronada por Mucho, la reciente placa del grupo. Mucho recoge los pendientes de Anoche y regresa a la banda a derroteros acostumbrados. De veta melancólica, Mucho desciende los decibeles ganados en Anoche con un sonido ligero, amable, sereno y cadencioso de evidente aliento baladista. Económico en parangón con sus antecesores, el exuberante Infame (2003) y el experimental Jessico.

Mucho propone un grupo en calma, sin ninguna necesidad de demostrar nada. Consideración extraña si se piensa en la reciente muerte del bajista fundador. Si bien la melancolía de Mucho no proviene del penoso suceso, la ausencia de la manera de tocar el bajo de Gabo determina el sonido actual de la banda. Así ante la encrucijada, Babasónicos elige hacer introspección, con resultados llenos de un cierto tipo de tristeza que no viene de la angustia del luto, sino de elementos cotidianos de la perdida. Más allá de la muerte de Gabriel, Mucho profundiza en la extrañeza del artista como individuo. Pareciera que el tributo al amigo ausente es el festejo de las actitudes que hacen diferentes a los artistas con respecto a la “gente normal”. En Pijamas, por ejemplo Adrián confiesa no dormir de noche, en Las otras la confesión versa sobre cierta propensión a la promiscuidad, en Cuello rojo se admite renegado y en Estoy rabioso la descripción sobra.

Si los años y las correrías en el rock empiezan a pesar en el grupo quizás podríamos esperar nuevas entregas adecuadas a ese humor. Mientras tanto Mucho es el repaso final de la era romántica de Babasónicos, con sus descansos para alguna canción roquera y el habitual pop de ambiciosa estructura vocal (Pijamas, Escamas, Yo anuncio). Aún así Mucho tiene un puñado de 10 buenas canciones, serenas y camp. Sencillas y cortas con todo lo que ha distinguido a Babasónicos en la actual década.

Third.

2008-07-07T19:02:00.002-05:00

2008 Universal / The Island records group.
P. Barrows – Gibbons – Utley.

1
Diez años.

En un tiempo donde lo precoz es regla, tardar diez años en hacer un trabajo de Arte pudiera parecer inaudito. Aún más tratándose de la voraz y volátil industria musical. Para más de uno diez años equivale a la segura sepultura mediática. Diez años de olvido no se perdonan con facilidad.

Los últimos diez años Postishead dio señales difusas de vida. Un par de participaciones especiales en algún proyecto aislado, como el tributo a Serge Gainsbourg, además del disco solista de Beth Gibbons, donde los otros Portishead –Adrian Utley y Geoffrey Barrows- participaron detrás de las consolas e instrumentos. Eso fue todo desde el disco en vivo de la banda, el majestuoso Live NYC (Island, 1998). Después un silencio prolongado.

En diez años la esencia del sonido “electrónico” que vio nacer, no solo a Portishead, sino además a un puñado de bandas seminales en la escena musical británica durante los noventa (1990), ha desaparecido. Con dificultad aquellas bandas lograrían actualmente alguna nota importante en las publicaciones especializadas. La transformación sufrida por el trip-hop a finales de la década pasada, dio al traste con un “movimiento” que de entrada dudaba mucho de ser llamado tal cual. En todo caso los Trickys, los Goldies, los Ron Sizes y todos los demás parientes electrónicos hijos directos del rave, y la heroína, poco significan vanguardia como solían antaño. El trip-hop y toda su parentela electrónica inglesa: Drum & bass, beat-breaker, lo que hacía Dj Shadow y un largo etcétera, envejeció instantáneamente en un par de años. Para bien o para mal. Prácticamente ninguno de ellos extendería sus glorias al “exigente” siglo XXI.

En una década dominada por el sonido francés, en el terruño “electrónico”, ¿Qué respuesta sería la correcta para Portishead? ¿Cómo atender las expectativas de su retorno?

2
Renunciando a ser un grupo electrónico simplemente.

Diez años después los ingleses nos reciben con un poema recitado en portugués. Silence se abre camino percusivamente. Pronto nos percatamos de la ausencia de loops electrónicos, un Portishead análogo busca frenéticamente una cúspide inexistente durante casi un minuto y medio. Ahí aparece el lamento de Gibbons. Poco a poco la carrera galopante por llegar a esa cima adquiere la habitual estructura de una canción de Portishead. El éxtasis se adivina en la próxima y evidente catarsis. Es la canción de apertura, esto no puede estar pasando.

Y no pasa... Antes de la conclusión lógica de Silence, está es interrumpida abruptamente sin aviso alguno. El grand final que ansiamos es uno que jamás conoceremos. Es la metáfora adecuada para describir el retorno de Portishead.

Hunter, Nylon smile y The rip ofrecen vistas similares. Todas ellas son interrumpidas antes de su lógico final. Posiblemente Hunter sea la más cercana al Portishead anterior –bueno al sonido del disco solista de Gibbons-. Poco a poco nos adecuamos a un Portishead inusualmente rítmico, pero que conserva su carácter sombrío. En The rip sorprende que la guitarra este tocada con claro descuido, lo cual da fe de un grupo mas libre en su composición. Al mismo tiempo mas simple. Un solo loop o sonido puede dominar toda una canción sin mucho tapujo.

A partir de Plastic las obras maestras se suceden una a otra. Allí la sorpresa es un remate de batería al que se le sustraen centésimas de segundo. El efecto logrado es desconcertante, imaginativo y seductor. Los de Bristol se instalan en un punto intermedio donde el uso de la tecnología y tocar abandonadamente -como un grupo de rock kraut- catapulta sus posibilidades sónicas. En We carry on se cumple la profecía, un teclado análogo mantiene incólume su molesto zumbar. A la par el bajo construye una estructura rítmica abiertamente bailable. Por un momento llegamos a pensar que podríamos saltar de un instante a otro. Un ukulele nos regresa a la tierra antes de continuar con las hostilidades, Deep woods casi permite divisar un poco de sentido del humor, la breve balada es un efímero respiro antes de la suite final. Machine gun sigue en la línea de combate, un avión proveniente de un Casio tones no deja duda de la construcción sucia de estas atmósferas, a pesar de todo no hay misterios. Small transforma a Portishead en algún pariente cercano de Velvet Underground, todo es posible en el mundo de un grupo de vanguardia en pleno uso de sus habilidades musicales. Todo sin mostrar rastro mínimo de virtuosismo técnico.

La ansiada explosión ocurre al fin.

Threads y Magic Doors cierran el ciclo, los lamentos de Gibbons recorren los surcos finales de la odisea. Una vibración nos dice adiós.

Portishead no es mas esa banda de trip-hop depresivo, fraseos de tornamesa y sampleos de película de espías.
Es mas.
Mucho mas.
Y en esa clasificación cabe absolutamente todo, pues de ello son capaces. Y sí hay que esperar otros diez años para otra placa, los esperaremos. Ahora tenemos la certeza de que vale la pena aguardar.

-y pa’ que hablarles de las letras, ya saben de que tratan-

Fuckin' Scotch Disease.

2008-06-30T09:57:00.002-05:00

Y todo lo que provoca.
Y lo que no.

¡Arghhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhh!

Próximo:

Posteos de verdad sobre Portishead, Babasónicos, Vampire Weekend y lo que se acumule.

Yo anuncio-Nosotros.

2008-06-19T10:28:00.004-05:00

Un largo año ha pasado, estos caballos salvajes sin rumbo continuan su galopar. Viejos amigos regresaron, quisieron trotar al peligroso unísono de tremendos equinos desangelados.
Definitivamente la meta se ha vuelo difusa, pues recién entendieron que no son carreras a lo que juegan. El pastar y correr a la deriva es lo suyo, aún con la zozobra del saberse sin nada, ni nadie. No son dueños más que de la inmensa llanura.
Y nadie los detendrá, con jinete o sin él.

Anecdota y moraleja.

2008-06-13T11:35:00.001-05:00

El citado animal; un perro, murió miserablemente ante la indiferencia del público en general, logrando el propósito de la cuestionada acción. El perro sacrificado demostraba de modo puntual, la falta de misericordia de los entendidos del Arte. Después de todo fueron ellos –fuimos nosotros- quienes no alimentaron –alimentamos- al animal, quien famélico quedo expuesto como prueba de la falta de sensibilidad humana en un mundo que se precia de ello, además del obvio comentario social. Una gran pieza pensé en ese momento. Cualquier reclamo posterior solo revela hipocresía y una doble y habitual doble moral.

Intermedio.

2008-06-04T14:49:00.001-05:00

Han pasado dos años desde que la vida prometió cambiar.

Y pues ha cambiado en mucho, pero lo esencial se conserva.

Como dice la canción, “Después de todo estabas perfectamente en lo correcto”. No te equivocaste cuando decidiste que en el futuro no estaríamos juntos. Que la rabia que contemplabas en mí no era suficiente sustento para seguir adelante.

Eso no quiere decir que la rabia haya desaparecido, o que las cosas sean muy distintas. Aún soy aquel laughing boy que no puede darle nada a nadie. El mismo al que aceptarle un futuro resulta temerario.

“Solo espero que con el tiempo” haya menos momentos de pagar facturas por las ironías de la vida.

The Seldom seen kid.

2008-05-26T16:18:00.002-05:00

Fiction Records, 2008.
p. Craig Potter.

1- Newborn.

2001.

La escena inglesa parece deambular entre la borrachera post-brit y el anuncio de nuevos tiempos. En ese breve instante de tiempo entre el despertar de una nueva generación y el cambio de rumbo de otra, Manchester vuelve a figurar en el ojo del huracán. Un año antes Badly Drawn Boy gana el Mercury por su disco debut, posicionando a la ciudad nuevamente en el mapa de la escena musical británica. Un año antes Doves lanzaba su primer disco. 2001 sería el año definitivo para Elbow, el lanzamiento de su primer material Asleep in the back (V2, 2001) les acarrearía una nominación al Mercury y a los Brit. Nada mal para unos principiantes que durante diez años manufacturaron el disco en la ciudad que los vio nacer.

2- Snooks (Progress report)

La fortuna crítica de Asleep in the back llevaría a su productor principal Ben Hillier a ocupar la consola del último disco que se le conoce a Blur: Think Tank (Emi, 2003). Casi al mismo tiempo produciría el segundo intento de Elbow: Cast of thousands (V2, 2003). El condensado definiría el sonido de la banda, todas las mañas que después conformarían los lugares comunes de Elbow. Una canción prologo a manera de portentosa presentación y un breve epílogo; coros multitudinarios, cortes disonantes en estructuras lentas, texturas fantasmales, instrumentos diluidos en la mezcla de sonido, intercalando baladas con temas dinámicos, a veces roqueros, a veces no. Una joya dedicada al amor y su posibilidad, a la ferviente creencia en él .

3- Great Expectations

Prescindiendo de productores, la banda graba Leaders of the Free world (V2, 2005) bajo sus términos, respetando lo aprendido anteriormente, dando cautelosos pasos hacia delante. Sí Cast of thousands era una oda al amor, Leaders… dedica amplias líneas a las borracheras –etílicas y emocionales- producto del rompimiento de Guy Garvey –voz- con una afamada locutora de la BBC. El publicitado romance y la expectativa de la crítica adivinaban el paso definitivo de Elbow a las ligas mayores. Otro augurio de ello era la creciente popularidad de su banda hermana Doves. Nada paso, salvo otra certera entrega del grupo. El tiempo de la fama sí habría de llegar, sería después. Armas bajo el brazo tenía Elbow de sobra.

4- The Fix

Craig Potter –teclados- se encarga de la consola para The Seldom seen kid (Fiction Records, 2008). El disco recita la tragicomedia de un amigo, que termina muerto después de sus constantes aventuras con el alcohol. Sí eso suena trágico, el álbum es un retrato que más bien celebra las peripecias de Bryan, con las alusiones propias del imaginario de un borracho. El prístino sonido de Elbow se eleva a alturas insospechadas cuando optan por empatarlo con el mood de cantina –bueno de pub-. El cabaret convive con los coros angelicales y las marchas fúnebres, resonando en un nuevo humor rock, de bajos cargados y fraseos machacones, que no dejan de lado jamás la perfecta factura a la que la banda nos ha acostumbrado. Eso sin mencionar a Guy Garvey, quien no solo se atreve con falsetes llenos de angustiosas preguntas, sino que además afila la pluma que lo distingue como uno de los grandes letristas de la escena británica, haciendo un par de guiños a Thom Yorke en algunos escondrijos entrelíneas. Por extraño que parezca, un álbum instalado en la esperanza de un nuevo día, The Seldom seen kid será el paso definitivo de Elbow, ya sea por sus sencillos explosivos, o la flamante colaboración con el rey del Folk inglés Richard Hawley.

¿Qué clase de disco necesita hacer Doves para quitarnos de la cabeza este nuevo clásico? Pronto todos beberemos con el chico que raramente vemos.

Escuche:

Starlings
The Bones of you
Grounds for divorce
An Audience with the pope
The loneliness of a tower crane driver
The Fix

Efecto dominó.

2008-05-13T19:40:00.004-05:00

Emi 2008.
P. Ken Coomer & Charlie Brocco.

Experimentar. Supone cosa fácil para quien lleva 10 años haciéndolo. Experimentar a veces significa trotar por senderos por los que normalmente no se hace. ¿Por qué? Por historia, por desconocimiento, por miedo, pero principalmente por ignorar el camino. En el caso de Chetes y su sexta grabación de estudio (la segunda solo habrá de aclararse) el experimentar se puede entender como transitar por donde nadie en su posición había hecho antes.

Para quien experimentar resulta lo más natural del mundo, un disco como Blanco fácil (Emi 2006) fue buen momento para detenerse y analizar los logros en compañía. Zurdok y Vaquero fueron la antesala del vaticinado éxito solista. Éxito compuesto de algunos sobrantes del primer disco de Vaquero (2005), aderezadas con nuevas composiciones rebosantes de amor y esperanza. Las baladas que formaron el conjunto de Blanco fácil harían suponer que para la segunda incursión solitaria de Chetes, la experimentación sería plato de segunda mesa. Pero la experimentación no solo se reconoce en la vanguardia. En ocasiones experimentar es ir a la raíz.

Grabando constantemente en Nashville a lado de un otrora Wilco, el regio redescubrió las raíces de eso que él llama rock. Las raíces estadounidenses, para ser concretos. Blues y country llaman a Chetes a olvidar su conocido repertorio británico, y arriesgarse una vez más. Sin arreglos pomposos, un Chetes sencillo encuentra en los fraseos del blues un viejo aliado olvidado.

Olvidándose de lo logrado con Blanco fácil, Efecto dominó (Emi 2008) sugiere que Chetes esta libre de las ataduras y los compromisos acarreados por su recién adquirida fama, exponiendo a un Chetes de guitarra electrica, canciones directas y líricas torpes. Desafiando a quienes esperaban la coronación del rey de lo alternativo, con una música que en efecto poco se ha escuchado en México (por lo menos en lo mainstream). Nada más. Olvidémonos de las canciones de complicada estructura y los batallones de instrumentos, Chetes nos receta una franqueza que usualmente no le conocemos, no desprovisto de experimentar pero a través de lo clásico. Un sonido extraño en nuestras latitudes, pero que con paciencia se agradece. Buenas guitarras, baterías rápidas, un poco de swing bobalicón y porque no una baladilla furtiva. Un paso transitorio hacia terrenos, donde de llegar al otro lado del camino, Chetes puede volvernos a sorprender “como fue la primera vez”.

Oír:

Fuera de lugar.
Querer.
La primera vez.
El blues del diablo.

Super-Market Shoppings/ FEMACO 08

2008-05-02T17:22:00.006-05:00

La iniciativa privada impulsa al Arte. –Zas-

Bien decía Warhol, sinónimo de Arte vivo no era precisamente Arte autónomo. Tampoco hay que hacer gran escándalo. Aunque parece que en estos días hay una preocupación creciente por el papel que juega el mercado en el desarrollo del Arte. En Art Forum del pasado mes de abril, Thomas Crow inaugura una serie de artículos que incluyen una mesa redonda, donde se analizan los exorbitantes precios de subasta de trabajos de Arte Moderno y Contemporáneo. En Chilango en su edición también de abril, apareció una guía para comprar Arte que puso a todos en alerta, al artículo lo acompañaba una lista de sugerencias para comprar nuevo y barato. La especulación del mercado esta modelando la historia del Arte, aunque negar que antes halla sido así sería ingenuo.

En la pasada emisión de FEMACO quedó demostrado que la iniciativa privada esta haciendo girar al mundo del Arte en México. Simple reflejo de la situación mundial actual del Arte, controlada por Ferias más que por Bienales y Certámenes. Nada quedo más expuesto en la pasada edición de FEMACO y eventos aledaños, que la incapacidad de las instituciones para generar la ebullición generalizada creada al centro de la feria en su quinta presentación.

En año de Bienal Tamayo y Bienal de Fotografía uno esperaría que el epicentro de la acción se centrara en eventos de corte institucional. Pero las nuevas formas de hacer política a partir del mercado ponen en entredicho la capacidad de los museos y otras instancias culturales de competir contra FEMACO y alrededores. Ejemplos sobran y son desagradables.

La exposición “Las implicaciones de la imagen” en MUCA Campus muestra por vez primera al público parte de la colección Agustín e Isabel Coppel, hasta entonces un trascendido entre entendidos del Arte. Para sorpresa de todos la Colección CIAC es otro monstruoso paneo al arte contemporáneo, construido un poco por el gusto y un poco por la asesoría de algún comprador docto. Capaz de sonrojar a la misma Colección-Fundación JUMEX, la selección de la CIAC para la exposición en la UNAM pasa lista por cuanto nombre importante del Arte Contemporáneo internacional hay, mientras la “curaduría” nos muestra generalidades –obviedades- de los tópicos propios de la disciplina.

En ese mismo tenor Estación-Arte en su tercera edición con menos pompa y circunstancia fue otra prueba de como el capital privado hizo lo propio como propulsor de la cultura. Presumiendo vínculos con Fundación-Colección JUMEX y la UNAM, Estación-Arte es un esfuerzo loable y creíble, en gran medida por el esfuerzo conjunto de su equipo de trabajo –esos 2 gatos llamados Sergio Nates y Jayya Yedid- y la labor de los artistas seleccionados. Con un poco menos de política y un montón de energía, la inocente curaduría de Nates y Yedid englobo una visión sobre lo urbano a través de artistas de México y Canadá, logrando una exposición inverosímil considerando la presencia mínima –casi nula- de recursos para ejecutar las piezas. Con todo la exposición terminará de colocar a EA como el alter ego por excelencia de FEMACO, por lo menos en cuanto a objetivos, sin dejar de ser una muestra de arte importante propuesta por un particular.

En todo caso señalar como FEMACO ha venido a cambiar el panorama del Arte en México sería repetir una cantaleta que en teoría ya conocemos, pero que este año dejo una profunda huella política dentro de la forma de hacer y comercializar Arte. Las exposiciones que las galerías tuvieron en sus respectivas sedes sorprendieron por el formato. El juego del dinero y el arte se entendió perfectamente por cada uno de los galeros de Arte Contemporáneo en la ciudad. Los espacios lucieron flamantes y las curadurías certeras en cuanto a propósitos. Un ejemplo sencillo: OMR. Celebrando 25 años inauguró muestra retrospectiva afianzándose como la galería institucional por excelencia, mostró cantidad de artistas que han pasado por sus filas desde Gironella y Galán, hasta Allÿs, Melanie Smith u Opie y Tillmanns. Mientras en su otro show room presentó a Aldo Chaparro con proyecto individual para no dejar duda del prestigio ganado y la búsqueda continua. Cada galería jugo a su manera en este parque, las hubo con mercadotecnia de fiesta, las hubo con presupuestos altos para los proyectos en casa, las hubo con curadores invitados para afianzar el aspecto conceptual de la galería, mostrando seriedad y compromiso con el arte. Sin importar el formato de las galerías, ni su inoperancia a la hora de los negocios –las hay, me han contado- todas formaron parte de la efervescencia. Ya sea lanzando a su mejor artista joven a exposición individual o dando la fiesta más chic.

El capital privado puso en vergüenza a las instituciones de siempre, dependientes de las exposiciones importadas – Tillmanns y Hirschhorn en Tamayo, excelentes muestras importadas- o de los ejercicios curatoriales que descalifican la labor de quienes recién llevaban la batuta esos mismos proyectos – De muy mal gusto “Inventario” en MACG-. A pesar de eso la apuesta por proyectos novedosos e interesantes aún recae en lo alternativo dentro de lo institucional –SAPS “For a Farmer-Labor Party” Roberto De La Torre- pero no es suficiente, no en abril con tanta oferta y calidad.

El siguiente año la FEMACO cumplirá 5 años, para entonces veremos sí nuestras bienales logran cimbrar la escena como lo hace la feria año con año. De no hacerlo será una pena, porque habremos entregado el Arte al mercado y sus caprichosas reglas, como mostraron nuestras jóvenes camadas de artistas en FEMACO. Sin embargo dentro del torbellino siempre habrá un claro para ver, después de todo es un mes completo de Arte. Y eso sí se lo podemos agradecer a FEMACO. Eso que ni que.

Rodeados de aves y botellas de agua mineral.

2008-04-16T20:30:00.001-05:00

Eso pasa cuando aprendes a tocar la guitarra. Las primeras veces te sorprendes de que las canciones se parezcan, te sorprende que tu estes generando ese sonido, esa sensación no tiene igual. (Supongo que meter goles dede asemejarse). Con el Arte es un poco más complicado, dificilmente logras que las imágenes en tú cabeza empaten con las que puedes generar con las manos, es fuente de mucha frustración –sobre todo sí además las piezas que imaginas son costosas de producir-. Cuando logras empatar cabeza con realidad te sabes dueño del universo, controlador de las fantasias. También pasa que dejas de imaginar imposibles y te adecuas a tus posibilidades verdaderas. A veces esa imposibilidad te hiere, porque es admitir que tú mismo no bastas para decir torpemente lo que en teoría quieres gritar con elocuencia.

Pero cuando pasa solo puedes agradecer.

Gracias Suéter –los seis en el estudio, todos los demás que nos han acompañado-.

Suéter en Estación-Arte 2008
23 al 27 de abril 2008.
UNAM.
Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
Ricardo Flores Magón 1 Col. Nonoalco.
México D.F.

Suéter en FEMACO
23 al 27 de abril 2008.
Centro de Convenciones BANAMEX.
Stand Perrier
EDS Galería - stand k 715 -
México D.F.

No pongas la vágina en un pedestal.

2008-04-09T20:41:00.001-05:00

La gente se emociona de la simple habilidad de un fuereño que sabe dibujar. Donde un color vibrante basta para que las personas mas simples se congreguen a ser parte de un momento de eternidad. La eternidad del Hi5, la mirada infinita de una amistad colegial. La emoción básica de ser retratado por un artista que baja a la tierra y se ensucia bajo el sofocante calor de primavera. El artista que no come en la jornada y que la final de ella, se le recompensa con viandas. Se lo respeta por su coraje, por soportar más que todos, las palmadas en la espalda y los guiños de aprobación del clan se hacen sentir. El artista toca a la gente por un breve momento emocionante, parte de las experiencias de su educación superior “privilegiada”. El artista al que el modelo extrañamente quería equipararse –yo se dibujar como tú-. El artista no habló de Foucault, ni menos de Derrida, solo en la deriva dibujaba básicamente el mismo rostro enajenadamente. Regalaba una sonrisa, un chiste y un pedacito de eternidad a los demás. Sinceramente. Y es que como dijo uno de los compañeros de clan: “A la gente le emociona el Arte”.

Vamos a jugar football.

2008-04-02T19:03:00.003-06:00

1- Sí no somos capaces de generar Ciencia perfecta, entonces para que esforzarnos. Un Iphone es muy lindo pero es pura vanidad humana.

2- Siendo el Arte conciente de su imperfección es el único motor de la certeza humana.
Y el deporte.
Aunque de repente es extraño que toda la certeza universal radique en el perfecto conocimiento de nuestro cuerpo. Por ello solo la Música y la Danza podrían acercarnos al nivel cero de incertidumbre.

3- Y el Guitar Hero.

4- En todo caso al desechar la idea moderna por excelencia -el porgreso- al cancelar el flujo de la historia (por un lado los estadounidenses en la búsqueda de la hegemonía perpetua y por otra los franceses y el estructuralismo pesimista) negamos la posibilidad de dirigirnos hacia la perfección.

5- La única perfección deseable es parecerse a Dios o a la Vida, en todo caso esa debería ser esa nuestra única ruta.

6- Por eso nosotros somos artistas, porque es lo más cercano a arañar a Dios, o ya de perdida de poner a fantasear a los científicos sobre lo que es posible.

7- Así que Houllebecq y Gabriel Zaid tienen razón. Se las dejo de tarea.

Higher

2008-03-26T16:08:00.002-06:00

Todo fue como en Juno.
No una cosa de amor.
Sino de reconocimiento mutuo.
Onda: "Solía ser como tú y por eso me emocionas".
Pero amor ... No necesariamente.
Creo que hay un poema al respecto.
Inédito supongo by the way.
Eso fue todo.

Reflexión sencilla.

2008-03-14T20:01:00.003-06:00

No importa cuan fina (o burda) sea su factura, la función de un punzón es la de herir.

Esa imagen del Arcángel despertando del letargo vuelve a mí.

Se que como todos, también hago daño.

Aunque esa herida sea pequeña e insignificante.

Un rasguño, que al fin y al cabo, es una herida chiquitita.

Probablemente el piso 19.

2008-03-10T16:23:00.002-06:00

Rápido, la semana en nombres propios:

Ricardo.
Thomas y su grito de guerra.
Daniel.
Elisa.
Carlos.
Morgana.
Rodrigo.
Radha.
El mismo Thomas de nuevo. Cuatro veces para ser precisos.
El fantasma de Miguel.
Enrique.
Thalía.
Nidia.
Patrick ese italiano que baila a ritmo de dance.
Fernando en la lejanía.
My name is Jarvis según nos dijo esa noche.
M.I.A.
Mis tíos los Chicos Bestias. Una leyenda más en una semana plagada de mitos y promesas.
Marisol.
Toluca.
Marimekko.
Sergio; quien parece conocerte de toda la vida, pues ha logrado ver más allá de la caperuza roja que utilizas y enfrentarse a tú mirada real.
La promesa de un té más tarde.
Todos ustedes, todos nosotros.
Piso 19 probablemente, tenemos una cita.
Una cita de amor en abril.
La promesa de que correrá la sangre el jueves -hoy sin querer casi se revientan los puntos, por mero capricho de la ciudad-.
Todo ineludible por el paso inevitable de la historia.

Si...

2008-03-01T17:41:00.003-06:00

Sí en los tiempos adecuados se hubiera efectuado un concierto de Niña y Zurdok (el segundo Zurdok)hubiera sido una competencia de ruiditos espaciales y referencias setenteras de guitarra. Algunos muchos gozaríamos como imbéciles. Sí a eso se agregaran Ratatat y Love of lesbian simplemente sería un fantástico masivo.

Por lo pronto Chetes tiene ganas de música rápida y Elbow desea elevarnos hasta donde los ángeles platican en 5.1, me preocupa que Nme crea que Guillemots na' más no la pego en el tercer strike. Ely ebulle, no existe otra cosa en su cabeza que el tratarnos de explicar una vez más la vida a punta de 6 cuerdas. Ojalá Mario* haga lo propio.

D. nos da claridad, su ánimo de explicar surte efecto real. Me choca hablar sin saber exactamente que se supone que se dice en determinados momentos. Hay cosas que no se hacer. Sí papá viviera: ¿Dejaría que yo escalase mis propias montañas?

Noise-Silence-Ruido-Silencio.

2008-02-25T19:16:00.003-06:00

Hable con P.
Extrañamente el dio con el clavo que nadie se atrevio a tocar antes.
Fue extraño, pero aleccionador, me gusta pensar que ahora camino a algún lado.

R. dice que tengo determinación, que eso me llevará a donde debo llegar.
Ojalá la fuerza me alcance para tomarle la mano y llevarla con nosotros, a donde pertenece.

Ví a E. en una premiación de concurso de fotografía, quedo finalista. Me dio gusto.
Le pregunte por los chicos, dijo que P. llegaría y que C. no. Que como andaban sería mi siguiente cuestionamiento. E. dijo que como siempre, que había un agujero que nunca se llena, y que sortearlo -o hacerse pendejo- es la única forma de seguir. Chaqueto pero cierto como siempre. Ojalá C. hubiera llegado, P. efectivamente llegó. Sorprendido por el largo de mi cabello, como antes R. ese mismo día. Parece que eso es importante. ültimamente he visto muchas fotos mías, cuantas personas distintas he sido.

J. dijo que los tipos que estaban sentados en la mesa de lado del bar al que fuimos el sábado se burlaban de nosotros. No tendrían porque imagino, no pagamos un centavo por una ronda de cervezas, papas fritas y un refresco de cola. Los artistas viven en gracia dice N. Ese mismo día toque un órgano electrico, con pedales y toda la cosa. Fantástico fue.

En mis sueños sigue apareciendo, sigue atormenténdome, sigue siendo complicado saber que se supone que haré cuando pase lo que ahí, pero pos más que nada el mundo sigue girando.

Pic-nic.

2008-02-14T11:19:00.002-06:00

Ayer por fín sentí que la vida nos regresa poco a poco nuestros momentos felices.
Ver integrada a N. al estudio nos inspira, nos da fuerza y nos alimenta (el alma y el estomago).
Poco a poco reinvadimos nuestro espacio después del asalto.
Creo que sanamos.
Lo mejor debe estar por venir, como es costumbre.
Pero la luz se ve más cerca.
El arte se construye con paciencia, esa duda ha quedado despejada.
La vida es un pic-nic después de todo.

Los Cardigans según CD. Parte 2.

2008-02-14T11:16:00.000-06:00

1

Las cosas distan mucho de lo que eran en 1994.

En aquel tiempo lo indie comenzó a filtrarse en el imaginario de la sociedad, ya fuera como referencia a una forma de hacer frente a las estrategias comerciales de las disqueras multinacionales –Thrill Jockey, Matador, XL- o como una forma distinta de sonar ante distintos movimientos más predominantes en la escena musical. Desde la muerte inminente del grunge, los albores del nü rock, la invasión del britpop, el house, el trip-hop y otras tantas variedades musicales que colmaron los noventa (1990), lo indie remite a un sonido particular, alejado de todo lo mencionado antes, pero refiriéndolo constantemente. Sí uno pudiera definir el indie como un sonido, probablemente caería en el ejercicio de referirlo al rock y al pop, y agregaría algo sobre el ruido (noise, art-noise), eventualmente terminaría hablando de Sonic Youth en algún punto y de la College Radio estadounidense por el otro. Sí bien en la actualidad referir al indie esta a punto de volverse obsceno hubo un momento donde se podía enfrascar a buena parte de la escena en un solo estante, facilitando la operación de clasificarlos.

En 1994 una disquera microscópica –Stockholm Records- lanza el primer disco de los Cardigans Emmerdale.

2

En un concierto Nina Persson se dirige a la audiencia antes de interpretar Rise & Shine, el primer hit de la banda: Nuestra aportación al sonido indie dice. Fresca, jazzie pero sobre todo pop, Rise & Shine es la primera probada de un grupo suficientemente inteligente como para mutar a su conveniencia. Conveniencia que evidencia una deuda más con la música que con la fama. Para 1998 los Cardigans lanzaban Gran Turismo, un disco que equipara el momento mas alto de popularidad de la banda, con el cenit creativo de su primer periodo. En solo 4 años (1994-1998) los oriundos de Jonköping transformaron su sonido, de la candida banda indie-jazz (Emmerdale), pasando por la odisea lounge-mod-rock-pop-experimental (Life 1995 y First band on the moon 1996), a fríos-cínicos-hitmakers-electrónicos (Gran Turismo).

Letra y música se acoplaron perfectamente a las mutaciones de los jovencitos que eran entonces los Cardigans. Las líricas sobre el calor de hogar y las tardes veraniegas de parrilladas y carnavales, diluidas por la amargura masoquista de la búsqueda eterna del amor redentor –sin mucho éxito cabe decir- y la alienación social propia de los extraños. Significativo que su mayor éxito radial Lovefool sea parte de esa amargada y obsesiva parte de los suecos, finalmente liberada en Gran Turismo donde el padecimiento del amor y lo social explota en rabiosas letras, finamente aderezadas por la desafecto de su entonación. ¿Realmente crees que el amor va a cambiar al mundo? canta Persson con su grave voz a la Nico mientras un riff de compromiso sabbathiano acompaña a un bajo pesado, una batería cibernética y un teclado extrañamente celestial, un conjunto gélido como la tundra, sin contrastes todo blancuzco, nórdico vaya pues.

3

Pasaron 5 años para que los Cardigans decidieran retomar su carrera, tres años de grabaciones en los ambientes más distintos –España, Inglaterra, Suecia- tres proyectos solistas después–Paus, A Camp y Righteous Boy- la madurez de los treinta lavó las heridas labradas por los años de soledad e intensas giras. Long gone before daylight 2003 divide la opinión de lo que los Cardigans deberían ser. Demasiado maduros para un mundo alternativo que siempre los vio con recelo, excesivamente alternativos para un mundo pop hambriento de estrellas fugaces. Long gone before daylight expone a los suecos sensatos, serios, un tanto sobre producidos. Atrás quedaron los días de adoración a Black Sabbath, corre libre el ímpetu folk de las venas de Nina Persson, la guitarra acústica se vuelve protagonista de un disco que reclama la humanidad perdida. El folk es regresar a casa, es volver al principio.

Y entonces para 2005 se cierra el ciclo, volver a casa.

Grabado en Malmö en los estudios que los vieron nacer, con su productor de toda la vida –el laureado por el Mercury Prize Tore Johansson- diez años después los Cardigans se sorprenden así mismos cuando en sesiones de grabación/ensayo dan la luz a Super Extra Gravity. Conciso, roquero, economizando sus medios, explotándolos, recorriendo sus habituales mañas –segundas partes de canciones viejas por ejemplo- con la frente en alto. Letras notables en inglés para alguien quien habla sueco de nacimiento, pequeñas sorpresas en cortas canciones de menos de 4 minutos. La reminiscencia indie, inspirados por los Pixies. Atrás quedaron los días de no ensayar –Los ensayos son para mariquitas decían- Los días sin rumbo, de enojo, de angustia. Y aún así es posible seguir sintiendo la extrañeza, millones de discos después, de miles de kilómetros recorridos los Cardignas siguen siendo ese grupo de extraños que querían ser como Black Sabbath en un pueblo de catolicismo exacerbado. Aún gritando por ello.

Una ocasión para celebrar a Peter Svensson, Magnus Sveningsson, Lasse Johansson y Bengt Lagerberg, el combo perfecto, sincronizados, sonrientes al interpretar, potentes, ellos ponen el fondo para que Nina Persson haga lo suyo. Juntos son los Cardigans, la leyenda escandinava. Como la nieve blanca en la tormenta, aguardando por la esperanza del amanecer.

El pretexto para hablar de ello es The Best of The Cardignas (Universal 2008).
44 canciones. 22 sencillos y 22 lados b.
Conozca a los Cardigans lejos de lo que usted cree de ellos. Halle una banda de rock por todos sus meritos. A veces cursi, a veces no. Conozca un grupo que en cada reencarnación es otro y fascínese en su delicadez y su fuerza.
Una tormenta y un amanecer.

Los Cardigans segun CD. parte 1.

2008-02-07T17:02:00.000-06:00

1- Los Cardigans según ellos mismos en 22 canciones:

1. Rise & Shine
2. Sick & Tired
3. After All
4. Carnival
5. Daddy’S Car
6. Lovefool
7. Been It
8. Losers
9. War
10. My Favourite Game
11. Erase/Rewind
12. Hanging Around
13. Higher
14. For What It’s Worth
15. You’Re The Storm
16. Live And Learn
17. Communication
18. I Need Some Fine Wine And You, You Need To Be Nicer
19. Don’t Blame Your Daughter (Diamonds)
20. Godspell
21. Bonus Track
22. Burning Down The House (Feat. Tom Jones)

2- Los Cardigans según CD en 22 canciones:

1. Our Space
2. Sick & Tired
3. Cloudy Sky (Emmerdale 1994)
4. Fine
5. Tomorrow (Life 1995 cuando los conocimos en Mexico y el mundo)
6. Iron Man
7. Step on me
8. Heartbreaker (First band on the moon 1996 su disco mas conocido)
9. Marvel hill
10. Paralized
11. Do you believe?
12. Hanging Around
13. Higher (Gran Turismo 1998 disco perfecto, frio y robotizado)
14. For What It’s Worth
15. And then you kissed me
16. Couldn’t Care Less
17. The Road (Long gone before daylight 2003, cuando a todos ustedes dejaron de importarles)
18. I Need Some Fine Wine And You, You Need To Be Nicer
19. Drip Drop Teardrop
20. Godspell
21. And then you kissed me Part 2 (Super Extra Gravity 2005, otro disco perfecto)
22. Deuce

Coming up next: Guia para los Cardigans por CD.

Sakura

2008-02-03T13:48:00.000-06:00

Un cerezo en flor nos detuvo.

Lo observamos detenidamente, tan fuera de lugar como nosotros. La belleza es un acto de resistencia, pero la gente puede tener miedo, tienen derecho a reclamar su fragilidad –la gente está triste dice E.-

Era un momento extrañamente hermoso comparado con lo vivido días antes.

Después el lago, una serenidad casi de primer mundo.

Unos pasteles, aromas, risas y recuerdos de cuando la vida estaba saturada de emociones hicieron de bálsamo; después las luces cegadoras, una tristeza que escurría por todos lados. Esa tristeza casi prestada, pero nuestra al fin y al cabo. Eso de arañar la felicidad está muy lejos de acontecer.

Una música pesada, a tú lado se que vamos caminando al mismo sitio. Que tenemos que seguir caminando, para construir el mundo, llenarlo de ideas hermosas. Ojalá P. entienda eso para unírsenos de una vez por todas a la contemplación de los cerezos en flor.

Aging, Aching, Arting.

2008-01-24T19:23:00.000-06:00

Sí les digo que estaré triste más tiempo del que esperaba:
¿Dejarán de preguntarmelo?
¿Podrán consolarme como quisiera?
Triste respuesta también esa:
No.
Así que les aviso mis queridos amigos, triste seguiré hasta que se halla filtrado.
Hasta que no observe a la gente pasar durante una hora con una hoja en blanco esperando.
Hasta que las casualidades se acaben y deje de perseguirme el pasado.

-espacio-

Te leo mi ejemplo y pienso en como disfrutas crear y como se ha vuelto un poco tortuoso en mi caso.
Odio la idea del exorcismo y ahí está mi hoja en blanco esperándome.
Mentiría sí no les dijera que tengo tanto miedo.
Pero debo creer, más que en otra cosa, en mi.
Solo dejenme "sufrir a gusto" -jojo!-.
Mi querido ejemplo te leo y se que has pasado por esto.

-espacio-

Tengo miedo y me siento solo.
¡Gran cóctel de festejo!

(Ahora mis amigos háganme un favor: invitémonos un té y un pastel, en vez de decir lo siento anden...)

Respuesta mas o menos concreta.

2008-01-22T17:55:00.000-06:00

La respuesta es bastante simple querida amiga:

No porque yo exprese lo que usted sugiere, la cosa sería distinta.
De hecho, de antemano se eso, por ello no lo dije, ni lo diré.
Es cosa de ahorrarse la pena sepa usted.
Se que su intención es buena, trata de ayudar.
Le agradezco la preocupación.

Marina Nacional 80-C

2008-01-10T18:57:00.000-06:00

El tiempo se detiene.
Se respira la ansiedad.
El miedo.
Siempre hay alguien haciendo algo.
Como para no pensar.
La luz de las cinco de la tarde lo ilumina todo, pero apenas treinta minutos después la obscuridad invita a abandonar el sitio.
En estado de sitio continuo.
Los sueños también se respiran.
Nuestro trabajo de 10 a 18h.
Nada glamoroso.
Solo nosotros cinco esperándolos a todos ustedes.
Esperando el futuro, postergándolo quizás.
Aunque también construyéndolo.
Que cuando cada uno de nosotros entró por la puerta de cristal renunció a todo y dijo "Si" a este matrimonio nuestro.

Suéter.
¡Si!... Siempre.

2007

2007-12-29T10:14:00.000-06:00

Otro año sin mesías.

Arcade fire lanzó un disco fenómeno a principios de año. Los Hives hacen lo propio al final. El cenit de la historia donde suplantan de una vez por todas a U2 difícilmente acontecerá. De entrada los músicos ya no son los de antes. No se los mira del suelo hacia arriba; ahora se les hace el favor de descargarlos. Sí se es benevolente con ellos se les guarda en la memoria lo máximo un mes.

Chistoso que el reclamo venga de alguien de la generación de my space. Lilly Allen cuestiona a Radiohead. Advierte lo sencillo que es regalar la música al mejor postor sí se es una leyenda; el mensaje es equivocado para los nuevos jugadores. Se la reprende como se hace cuando se habla con la razón. La exhaltación dura 3 semanas, se difumina después del millón de descargas. No importa que siga en cuanto se lo consiga inmediatamente.

Que las leyendas paguen los platos rotos. Modest Mouse o Air rondan en nuestros ordenadores meses antes del lanzamiento oficial de sus discos más recientes, en tanto ven la luz ya no importa, ya lo masticamos y escupimos, lo reemplazamos por algo que tenga aún sabor. Un sencillo en radio y se está listo para pagar reventas absurdas aunque se desconozca en lo primordial a Justice. 3 semanas después es Daft punk, 3 semanas después Björk. Demasiado obvio que en Mexico jamás hubo tantos conciertos internacionales. Cada 3 semanas nos preparamos para el acontecimiento generacional; luego de cambiar nuestras vidas el vacío. Otras 3 semanas esperando aquello negado por tanto tiempo. Otro acontecimiento y luego el vacio...

La escena local es de gente pobre. Quienes no pueden costear los espacios VIP de los masivos deben conformarse con ver bien alejados a sus actos Indie; los que sueñan con la disquera grande que les de para comer. Las siniestras decisiones sobre el futuro de Soda Stereo o Molotov se toman allí, o que: ¿Todavía les creen? No hay nada que el dinero no mueva, incluidos los rencores agrios y añejos. Quizás seguimos asistiendo a la construcción de los micro mitos que nos emocionan, el mesías no ha nacido pues el brillo no se oculta. ¿Cual indie? Esperen a que la industria se reacomode, las disqueras volveran a controlarlo todo quieranlo o no.

Y los White Stripes ya solo grabaran; no harán más giras a la usanza Beatle. Como sí alguien los estuviera esperando. Por lo menos hasta que sea el sabor del mes, again.

Cuadro de Honor 2007 de "Ampliación...":

-Iron & Wine. "The Sheperd's dog".
-Chikita Violenta. "The stars & the sun sessions".

¡¡Feliz año!!
2008 Here we go again!!

A beautiful hole in my heart / Station approach.

2007-12-25T15:39:00.000-06:00

1- My very best / Elbow / Leaders of the free world / V2 2005.
2- Station approach / Elbow / Leaders of the free world / V2 2005.

Año gracioso este, ¿no?

¡Qué canciones más bellas!

2007-12-17T21:40:00.000-06:00

Ojalá existiera el dolor suficiente para llorarlas como es debido.

Pero no.
Y esta bien.

"Estoy en paz..."

2007-12-12T15:26:00.000-06:00

Ambicion

2007-12-05T18:59:00.000-06:00

"Algo nuevo,
algo bueno,
algo mio..."

Ambition / Doves / Some cities (2005 Heavenly records-Capitol)

Next:
Abo presenta orgullosamente a Zombra monster.

XX

2007-11-29T10:26:00.000-06:00

A ciencia cierta nadie sabe que paso exactamente. Se dice que a Leonardo le ofrecieron un ambicioso proyecto solista. Presionado por la disquera, su entonces novia y sus ganas de éxito dejo a Fobia acéfala. Extrañamente en el tiempo que duro el distanciamiento la leyenda floreció. Alejados de las olas mediáticas que procuraban a Fobia, el mundo pudo por fin abrir sus oídos a la música y expandir su imaginación con las imágenes sugeridas por Paco Huidobro. Percatarse de un grupo maravilloso de exuberantes mundos selváticos, de órganos espectrales, de bajos poderosos y de portentosa voz. Negados desde su inicio como tal, un verdadero grupo de rock surgió a los ojos de todos, sin los prejuicios generados por su adelanto estético. Fresas, clase media, guapos, mariconcillos, bobos, chistosos, todos los pecados los cometió Fobia en la época más “dura” del rock en México.

7 años sin ellos bastaron para convencer a expectantes y sorprendidos de la verdadera fuerza de esos 5. Un pic-nic basto para dar cuenta de que la leyenda estaba más viva que nunca. Consumada la venganza sobre el tiempo perdido, Fobia la Leyenda tendría todo por delante para sanar las heridas en forma de canciones. Y ahí estaban de nuevo. Mundos selváticos exuberantes plagados de bichitos que invitan al desamor. Sus armas muchas son desde siempre. En el museo del imaginario musical del rock en México se alzan tres placas en específico: Leche (1993) la obra maestra; On ice (1997) la inconclusa despedida en forma del mejor disco en vivo hecho por una banda en México, y el recuento de los daños: Rosa Venus (2005) purga new wave de lo dolido.

Ahora como sí nada hubiera pasado celebramos sus veinte años con XX (Sony-BMG 2007). Celebramos todos los que esperamos que la historia pagara su deuda con Fobia. Celebramos a la mejor banda de México de nuevo. La única capaz de ser underground y masiva; la que apela a Queen en su magnitud pero se desvela en conservarse pequeña e íntima, para los pocos pelados que puedan entenderla. Para nosotros los raros del mundo que como Huidobro, nos refugiamos en todo momento en sus canciones ante la imposibilidad de vivir en el mundo real -la selva de su cabeza-. La que venció a su generación desgastada por los convencionalismos que los mataron en un principio. El regalo excepcional de sus canciones magnificadas por el Auditorio Nacional en el pináculo de su regreso. Las revisiones del pasado, el reclamo del Unplugged negado, la lagrima de la nostalgia del documental agregado y ante todo la magia de Fobia en el escenario. Cinco músicos que hoy pueden presumir ser la medula de todo lo que existe en México –no te hagas tú también-.

El mejor guitarrista de México, encabezando su banda, la de los monstruos: Jay en la batería, Iñaki en los teclados y Leonardo en la voz. Y claro el mejor bajista de México: Cha! ¿Por qué? Porque como dice Paco; es el bajista de Fobia, solo por eso. El mejor letrista de México encabezando su banda abrazando a su cantante. Todo esta bien por ahora, la tensión siempre estará en el ambiente a punto de quebrar ese equilibrio delicado entre estos titanes. Así es el comportamiento de las leyendas, magnifico y miserable al tiempo, sobrehumanos y corrientes.

El tiempo decidió justamente.
Fobia: El mejor grupo de su generación
-Que no el más importante, pero por eso nos gusta mas…-

Regresame a Jupiter

2007-11-23T12:19:00.000-06:00

En la época de los setenta –1970- los roqueros solían utilizar Marte y los viajes espaciales como metáforas para diferenciar entre el mundo del Rock y sus incipientes vidas hogareñas. Elton John, David Bowie, Lou Reed introdujeron en el inconsciente colectivo esa imagen. Marte era un lugar de vicio donde las fantasías se transformaban en realidad a pesar del alto costo que conllevaba el cumplirlas, para nada era un lugar propicio para vivir en familia. El ejemplo perfecto de esa doble vida quedo retratada en The Rise and fall of Ziggy Stardust (1972) de David Bowie. En él retrata a la estrella de Rock como marciano –como algo ajeno- y como por sus propios excesos es destruida su investidura celestial, aquella que lo llevo de inicio al estrellato.

Veinte años después, Paco Huidobro invoca ese paraíso artificial con la misma figura revitalizada. Regrésame a Júpiter ve la luz en 1993, una vez más la metáfora se hace presente, agregando nostalgia, desazón y por supuesto desamor. Junto con Fobia, Paco Huidobro lleva 20 años en el juego continuo del desamor, del abandono a lado de sus personajes fantásticos, salidos de las entrañas de alguna droga psicodélica. Preguntándose por un tiempo que nunca fue.

Casi ilustrando ese sentimiento Ramses R. Olaya (1981-) dibuja a partir de un mundo que le es desconocido, una época de la que cualquier rastro de memoria es invención de su cabeza. Las primeras máquinas de video juegos, zapatos deportivos Air Force One, Transformers y Spiderman, todos conviven en una bacanal constante de formas y materiales, como sí Ramses los conociera a fondo, cuando lo que conoce es una melancolía improbable.

Utilizando complejos juegos que aluden al dibujo como un recreo, desdoblamiento de lo interno, catarsis del desamor y la madurez. Ramses explora los materiales de dibujo –puntas, pinceles, tintas, navajas- y los soportes más diversos –desde papel milimétrico hasta sencillo papel bond- como un juego infinito donde crea mundos donde todo es posible. Mundos donde sus recuerdos verdaderos e inventados pueden convivir. Geometrías imposibles y naves espaciales son unos de los cuantiosos elementos que componen ese viaje espacial donde Ramses encuentra alivio a sus preocupaciones. Un refugio donde el mundo no lo alcanza, tan lejano como Júpiter mismo, donde no se le da la confianza a un ángel, pero sí a las lagrimas que pretenden bañar las penas para reiniciar de nuevo. Resucitar como Ziggy Stardust y subir al cielo para volver a empezar. Destruirse cuantas veces sea necesario, para volver a crear –a ritmo de rock evidentemente-.

Basura Cosmica

2007-11-20T10:08:00.000-06:00

Una de las tantas personalidades de Marti G.O. los invita.
Acá en Suéter/Abo lo recomendamos.
Después informamos sobre otra expo de él curada por la dupla Abo.
Mientras asistan a aesta.

Un estadounidense very sick on Mexican Curious (igual ni le importa).

2007-11-12T10:07:00.000-06:00

1

Durante años se le ha reclamado a Degas la forma en que retrataba a sus modelos. Sean bailarinas, banqueros o músicos, siempre se le increpo sobre la forma en que los observa y utiliza, como masas no individuadas, como cabezas de ganado a las que se les mira sin grado alguno de empatía, módulos que construyen el corpus de la masa carentes del más mínimo atributo que los distinga unos de otros. Pensando en la Modernidad de la que es hija la obra del pintor francés, muy insultante resulta el enunciado en una era donde la fuerza del individuo se descubre, donde el proceso de la historia convierte al siervo en ciudadano, dotándolo de una dignidad antes negada por los cerrados sistemas de clases y castas propios de los tiempos feudales primero, y los sistemas cortesanos por los que se regían los reinados europeos después.

En contraste a Tolousse-Lautrec se le festeja su ojo psicológico para con sus retratados, la piedad para con sus prostitutas y su franco rechazo a las figuras del jet-set de la época, una reprobación de la burguesía hipócrita de un candor que lo hace simpático para todos. Tolousse-Lautrec el número uno de los underdogs, lisiado de por vida por una enfermedad crónica, imposibilitado para amar a alguien debido a sus carencias afectivas en la niñez; es aquel que se impone al burgués Degas -hijo de un banquero- en los afectos del público libre pensador. Degas es quien no ve como personas a las personas, sino como meros pretextos para sus fines representativos, mientras el alumno Lautrec (quien expresaba constante admiración por Degas) es aquel que siente el dolor del otro y lo comprende, lo hace suyo.

Pero la trampa es otra, la obra de Degas no tiene como motivo el individuo sino su ambiente. Los seres humanos solo son parte de un pretexto “mayor”, solo una mínima porción de lo que los rodea. La obra de Degas difícilmente versa sobre el ser humano, sí bien parte de sus entornos para construir sus complejas escenas de teatro o danza. El ser humano es visto como un pretexto anterior a lo que en realidad trata de decir, y tristemente Degas afirma lo que sus detractores tanto le demandan; el ser humano no le interesa, sino su relación con el ambiente vital, el Ser.

En una sociedad hartamente artificiosa, la construcción de ambientes de relación es importante para Degas, donde el Ser se relaciona a través de la vista (¿aprobación?) del otro, los lugares donde se genera a partir de sus acciones frente a un público (el teatro, la sala de concierto, el hipódromo). Degas pone su atención en la forma en como surge el Ser a partir de la interpretación de un acto único que realmente distingue al individuo. Por ejemplo un músico; su habilidad para ejecutar un instrumento, es lo que lo hace individuo no solo la posibilidad de un dignidad otorgada por derecho de nacimiento. Un individuo se forja en su búsqueda por serlo, una lucha del Ser. Degas cree que el Ser se gana por merito propio y no por nacimiento. Para que el ciudadano se pueda presumir como tal debe desearlo, Ser alguien a los ojos de la sociedad, ser un agente activo de la vida social, ser participativo como en las antiguas democracias.

2

La simpatía del público en general por la obra de Spencer Tunick parte de una suerte de principio "democrático" en su obra. Todos somos iguales, todos podemos participar de una experiencia única, la experiencia única del Arte –aunque en las democracias no es lícito Ser parte sí se es menor de edad-. Sencillo es el enunciado: El cuerpo que es lo único que nos pertenece, aquello que podemos ostentar, pero nada más. Regresando a Degas donde lo expresado es que se Es solo hasta demostrar que se es distinto por las acciones y los meritos, en Tunick las posibilidades se limitan drasticamente; nadie Es. Nadie es porque se niega al individuo en pos de la egalité. Con un discurso evidentemente humanista, Spencer Tunick convoca hordas de desnudistas voluntarios alrededor del mundo. Sí hay o no promesa de liberación en la instalación de la cual se toma registro fotográfico, pues eso lo deciden los asistentes más que el propio artista. Así Tunick utiliza a las personas retratadas como cabezas de ganado, sin personalidad propia o rostro distinguible; un amasijo de carnes de diferentes colores y texturas, todas iguales, desnudas e indefensas ante el ojo analítico de quienes tratan de reconocer diferencias en esa masa, pariente muy cercana de los juegos de ¿Dónde está Wally? La in diferenciación de las multitudes en las tomas de Tunick los redime como individuos, a pesar de estar atados ontológicamente a la enorme turba humana. Una obra muy democrática, pero inquietante en su trasfondo.

Porque no es culpa del propio Tunick desconocer las fuerzas que convoca en los países donde es invitado a retratar personas desnudas. Las implicaciones políticas pueden ser mucho mas poderosas de las que Tunick dentro de su chairez reconoce. Un desnudo como el sucedido en Santiago de Chile no significa lo mismo en New York ó en la Europa Oriental. La forma en que el cuerpo es percibido en cada región ofrece una relectura a la misma pieza de arte. El ejemplo de Santiago es paradigmático en una sociedad a la que el mundo tacha de conservadora y timorata. Los chilenos se desnudan para Tunick, pero también para decirle algo a su sociedad. Hacen statement a través del arte del estadounidense. ¿Puede Tunick entender eso? ¿Qué la fuerza de su obra radica en lo social, en lo que es extrínseco a su obra misma?

Seamos analíticos: ¿Qué ofrece artísticamente las obras que componen la muestra “Tunick en el Zócalo” en el MUCA Campus de la UNAM? El mayor punto de interés artístico puede discutirse alrededor de los límites de la obra. ¿Qué nos presentan en realidad esas fotografías? La acción de 22mil personas desnudándose, la instalación y acomodo caprichoso de estas mismas personas, las relaciones de poder y género expuestas impúdicamente cuando las mujeres fueron las últimas en abandonar la toma, ante la mirada concupiscente de los varones que fueron ordenados a vestirse antes que ellas. La construcción Minimal-Land art con la que comparan sus métodos –en la muestra de MUCA le relacionan específicamente con Christo & Jean Claude- Los límites difusos entre medios. ¿Qué son las fotos de Spencer Tunick? ¿Registro de Performance, instalación –él alude a ella constantemente- fotografía, pintura? Lo que vemos como producto artístico al final es unas sencillas fotografías.

La pregunta más severa entonces es: ¿Lo vale? Vale que 22mil personas se desnuden para unas cuantas tomas del suceso. Vale la enorme infraestructura para realizarlas. Las instituciones que se involucran, la gente que trabaja para ello. Acá desde las mismísimas oficinas de la Dirección General de Artes Visuales, les puedo decir que no.

La espectacularidad que rodea el suceso es una cosa, pero el producto estético es otra. La enorme difusión en los medios no especializados no es garantía de nada. Los asistentes a la muestra se relacionan de manera distinta a nosotros profesionales del Arte -sic- con la obra. El recuerdo, la remembranza, la hazaña pueden ser factores que atraigan al espectáculo de la muestra de Tunick. La hazaña perpetuada en todo caso por las personas y esa extraña necesidad de decir algo.

Sí bien no creemos necesario que Tunick conozca los contextos de los países visitados, podría como artista generar productos a la altura de los recursos que utiliza. Violentar. Las fotografías de Tunick perfectamente tomadas, preciosas fotografías exhibidas en preciosas placas de vidrio fino; son producto de un fotógrafo preciosista, son eso: hermosas fotografías. Tanto como un paisaje de acuarela inglesa. ¿Realmente Tunick es El Artista que nos venden? Quizás muy en el fondo Tunick es mucho más tímido que la sociedad chilena o la nuestra. Desnudar a miles no es trasgresor, un desnudo choquea a Occidente no more! Tunick es fresa. Decenas de personas se manifiestan de la misma manera en el mismo espacio geográfico diariamente y por razones políticas más profundas. Hay quien se desnuda porque lo tiene todo, y quien lo hace porque carece de todo –Roberto Hdez. dixit- Para el mexicano no hay tal shock. Puede que el acto liberador de desnudarse este presente en él, solo necesitando un pretexto para hacerlo. Ahí es donde entra Tunick quien al no leer los complejos contextos que rodean sus visitas; no dimensiona ¿Por qué desperdiciar toda ese capital humano en sencillas fotografías? No merece todo el esfuerzo realizado a su alrededor más de su parte. Violentar. Dejar que el perfomance sea Performance, que la acción sea acción, que la instalación sea…Bueno entiende usted el punto.

Contrapunteando con el trabajo de la italiana Vanessa Beecroft podemos esclarecer algunos puntos. Sus acciones se realizan frente a un público, se violenta a los participantes, sus modelos siempre desnudas e indiferenciadas por los estereotipos impuestos por lo social, deambulan por las galerías y recintos del Arte. El espectador se enfrenta a su desnudez, a la crueldad con que la artista las obliga a mostrarse débiles y expuestas (vagina expuesta). El ambiente lleno de hostilidad que genera en el espacio manifiesta la visión artística de la Beecroft. Una visión fuerte, con algo importante que decir. Todos somos iguales… Eso ya lo sabíamos, pero hay maneras de decirlo, modos mucho más puntuales.

3

Este desconocimiento previo del entorno y lo social en Tunick hacen que se pierda algo. Que de verdad nos diga algo. Sí tantas instituciones están haciendo méritos para decir a través de Tunick (UNAM, Fundación Murrieta, Gobierno del Distrito Federal) ¿Por qué él no? Solo esta tomando la misma foto de siempre con otro fondo – Bob dixit again-

En lo personal a nosotros esto no nos sirve de nada.

Cuando “The Death of God, Towards a Better Understanding of Life without God aboard The Ship Of Fools” de Damien Hirst se presentó hace poco más de un año en la Ciudad de México, presenciamos un evento igualmente espectacular y mediático. El artista vivo más caro del mundo revitalizaba su carrera en tierra mexicana. Hirst comenzo sus contactos en México cuando venía a vacacionar en las playas del Pacífico, ahí se relaciono con el galero Hilario Galguera. Entre copas y surf Hirst cultivo una fascinación por México, la cual se acrencento con su llegada a la Ciudad y el saboreo de sus bemoles. Este “amor por México” y la amistad con Galguera lo llevaron a concretar un proyecto de exposición en D.F. con varias concidicionantes, entre elllas; la obra sería realizada en México y se cuidaría quirugicamente la difusión del evento evitando cualquier conato de prensa amarilla. Cuando la exposición abrio la oleada medáitica se disperso rápidamente, centrándose en lo importante; el trabajo de Hirst. Sí bien las piezas eran igualmente controvertidas o más –muchísimo más- que las de Tunick, estas tenían un valor extra. Hechas desde México para México Hirst tuvó el cuidado de decirle algo al lugar que lo alojo durante meses. Decidio decir algo a los mexicanos desde su arte inglés. La muestra fue un rotundo éxito de ventas, público y crítica. Así es como trabajan los grandes artistas.

En el mismo rumbo podemos hablar de Elin Wikström en Sala de Arte Público Siqueiros (Octubre 26- Noviembre 11 2007). La obra de Wikström parte de un principio de modestia, una modestia conceptual por un lado y la imposibilidad formal por el otro. Las acciones que escenifica en la muestra “Rebecka espera, Asa da, Sten aloja” solo se activan con la participación del público, la obra sucede solo sí uno como espectador entra en la trama de eventos que la conforman. Wikström decide carecer de formas de registro como fotografía o video, apelando al caracter conceptual duro del Performance de los sesenta, por ello su posibilidad descansa en el público, sí él decide hacer “suya” la pieza, la pieza existe. Se Es por merito –como en Degas- pero este merito apunta más al entramado social y la igualdad en la misma veta de la visión humanista de Tunick. Pero modesta. Explicamos:

El grupo de obras que componen la muestra “Rebecka espera, Asa da, Sten aloja” surgen en 1994 cuando la artista escenifica tres de las cuatro piezas que trae a México. El grupo de acciones deliberan sobre los mitos de la utopía de las sociedades social-demócratas. En una primera pieza un conjunto de mujeres se esperan mutuamente por un lapso de media hora cada una, el único fin es reemplazar a la otra en la mesa de espera, poniendo a prueba su capacidad de solidaridad. Otra de las piezas empieza con un vagabundo que pide una cantidad n de dinero, luego cuando el visitante a la exhibición entra a la sala una segunda persona le da la misma cantidad de dinero que le pidio antes la primer persona. Un tercero después pide esa misma cantidad. La magia radica en ver como resuelve el espectador el flujo de dinero en el que se ha visto involucrado. En la tercera pieza la artista pide alojamiento para un par de daneses a desconocidos, sí el alojamiento se da reciben de parte de la pareja en la mañana siguiente un ramo de flores, que luego es llevado a la galería como símbolo de buena voluntad. Así hasta que transcurra el tiempo efectivo de la muestra.

La intención de Wikström es probar la supuesta fraternidad y sentido humanitario exacerbado por el sistema Social-Demócrata enaltecido en los países Nórdicos (Dinamarca, Suecia, Finlandia, Noruega e Islandia). Comprobar si el sentido humano es inherente a una sociedad que presume de ello. Los resultados pueden ser aterradores, pues cualquier cosa es suceptible de pasar. Al trasladar esa pregunta de lo social a México, se pone a prueba a la sociedad mexicana, presumiblemente hospitalaria. Se pone en entredicho al mundo del arte en su civilidad y cortesía, pero sobre todo en su valor humano. Probablemente el triunfo sea de la curadora Moserrat Albores, quien con ojo clínico establece parangón entre dos sociedades muy distintas invitándonos a observar que sucede. ¿Realmente creemos en los valores mismos que soportan un sistema social entero? ¿Los ponemos en práctica? El trabajo de Wikström nos confronta como cuerpo social primero y luego como individuos, desentraña en lo más profundo de nuestros sentimientos y nos pregunta de cara: ¿Somos los mexicanos ese pueblo amable y cálido que tanto presumimos fuera de casa? ¿Pueden los pueblos nórdicos llevar a cabo actos mínimos de bondad? Los objetos exhibidos en la muestra se reducen a una mesa donde las mujeres esperan, el ramo de flores prometido a los que dieron alojamiento a extraños y los textos que explican las piezas. Sí tiene usted suerte alguien le pedirá una moneda, aunque ahora usted ya sabe el truco y pues no querrá usted quedar como un tacaño frente a las demás personas.

En comparación con la parafernalia desatada por Tunick, la mínima muestra “Rebecka espera, Asa da, Sten aloja” basa su éxito –artístico- en piezas de Arte duro que conceptualemente son ricas sin aludir a lo formal. Además de una obvia comprensión del contexto político donde se desarrollan estas acciones.

4

Para cerrar pensemos en “El Arca de Neón” también de la DGAV/UNAM en MUCA Roma. El rotundo éxito de la exposición –probablemente el primero en la historia del nuevo MUCA Roma- responde primero a la sencillez con que ataca su curador (el coordinador del Museo Gonzalo Ortega) el problema. En el texto curatorial admite la imposibilidad de abarcar una problemática estética como un todo, asevera que su muestra esta sesgada y que es una visión sobre algo demasiado amplio como para contenerlo en un absoluto –en este caso la creación de personajes tan en boga en el ámbito del grafiti y el diseño gráfico-. En esta honestidad convoca a los artistas que cree pueden ofrecer una visión de ello… El resultado salta a la vista, desde la apabullante inauguración que devino en el cierre de las puertas del museo y el corte de la barra libre ofrecida, hasta las cantidades atroces de asistentes a un museo bastante olvidado y periférico.

Basten estos dos ejemplos –Wikström y “El Arca de Neón”- para entender que para tener una gran exposición solo es necesario entender el entorno y trabajar desde allí. Sí lo espectacular va a serlo, que lo sea. No solo se trate de un acontecimiento aislado y carente de interés para los que componemos el mundo del Arte.

Creo que merecemos más de tú parte Spencer Tunick.
Mucho más.

Spencer Tunick tiene dos muestras corrientes en la Ciudad De México, una en MUCA Campus sobre el trabajo realizado en el Zócalo capitalino y otra retrospectiva en el Museo de la Ciudad De México.

Listening to... In the meanwhile.

2007-11-07T10:36:00.000-06:00

Cake "B sides & rarities"
-La portada del disco es rascahuele, y sí supuestamente huele a pastel de moras.
-Los reyes del cover dan cátedra, muy roqueros, muy country, mucha electrónica. Cake todo lo puede, convertir canciones de Barry White en sombrías baladas o agregarle octanaje a Black Sabbath.
-¡Qué alt-country ellos!

Chikita Violenta “The stars and the sun sessions”
-Odio el nombre del grupo. Siempre llamaron mi atención eso si. (Eran los consentidos de Paco Huidobro antes de Bengala).
-Es una pena que estos pobres muchachos de la Ibero hallan visto la luz en el limbo entre Orbita y Reactor, eso los ha dejado un poco invisibles al escucha promedio, todos saben quienes son, pero nadie sabe que tocan.
-Los que saben dicen que tocan como la escena canadiense actual (Dave Newfeld que tiene tratos con Social broken scene produjo el disco). Yo creo que suenan a The Cure o los Smiths con toques de excedida producción, un poco emulando el ya muy célebre “Memo Rex Commander…” de Zoé pero más atascado.
-Sí bien acá en la redacción no nos molesta ese tipo de mezcla nos preguntamos: ¿Cómo sonaría Chikita Violenta sí en vez de grabar ruidos grabaran canciones? Suponemos que muy bien porque el la mezcla del disco es una joya de producción, aunque la verdad a veces ni se entiende.
-La mía, la mía es The last film. Creí que War pero no está tan ponchada como yo creía. Laydown se puede bailar.

Righteous Boy “I sing because of you”
-Antes de la salida de Long gone before daylight de los Cardigans, los del grupo que hicieron disco solista, aprovecharon el retraso en su producción para sacar su propio material. De ellos el disco del bajista Magnus Sveningsson fue el que llegó a México. No me pregunten porque pero en aquel entonces no lo compré.
-Me arrepiento.
-Pues porque es un despliegue de tristeza y “sensualidad” masculina. Lamentos, reclamos, rencores, inseguridades todos empacados entre pesadas líneas de bajo, pianos eléctricos vibrantes y órganos dulzones. Piense en esos momentos de película negra de This is hardcore de Pulp, y agregue folk a la usanza Cardigan, quizás hasta quepa un poco de Sondre Lerche.
-Acá nos gusta pensar que es como sí Postishead tuviera un vocalista varón (y no fuera trip hop obvio).
-En el Myspace él se define como Americana. O sea como Cake o Wilco, usted elija.

Iron & Wine “The Sheperd’s dog”
-Como Badly drawn boy pero en gringo.
-Igualito, familiar, íntimo muy de edad mediana.
-Canciones etéreas de estética folk-kitchen sink que constantemente cambian el rumbo, no es un álbum triste aunque se sienta como tal. Hipnótico, de ensueño, de voces susurradas y complejas guitarras que difícilmente se disciernen del todo.
-Precioso, la prensa alternativa gringa esta extasiada.
-Nosotros también.
-El must de estas reseñitas.
-Hágase una idea baje Resurrection fern o House in the sea.

Jarvis Cocker “The Jarvis Cocker Record”
-Mucho tiempo y apenas en eso estamos.
-Se siente más triste, más campirano y al mismo tiempo mucho más teatral. Puede que este pensando en Nick Cave a la Jarvis.
-Probablemente sea Richard Hawley en la guitarra y la lap steel y todas esas cosas que hacen que los discos de él suenen tan folk.
-Pero no llega a ser folk.
-También toca el bajo y otras guitarras el buen Steve Mackey de Pulp.
-Pero no es un disco de Pulp.
-Pues no es un disco de Pulp, sí se acerca a ese sonido es quizás al We love life, ya muy aventurado decirlo This is hardcore
-Un disco muy notable en sus ácidas líricas. Toda la amargura de Jarvis contra el mundo se destila por las 14 pistas. Exuberantes juegos de palabras e invitaciones al suicidio colectivo. Bob Dylan y etal quítense que hay les va el Cocker.
-Bueno pa’l nefasto.
-Y claro nuestras canciones de amor, ¡Ah benditas canciones de amor!

Niña “Laredo love”
-Pos sí hubieran salido los Niña en los tiempos de Jumbo y Zurdok sí hubiera habido problema.
-La voz de Alejandro Isasi es igualita a la del Chetes adolescente, e igualita a la de Chalo de Volován y a la de… bueno ya entendieron.
-Suenan muy parecido a Zurdok, si no fuera por la fuerte influencia del rock stadium ochentero.
-Lo que si se puede decir es que su experimentación es más exagerada que la de Zurdok, eso los distingue de ellos.
-Y el sentido del humor.
-Y el imaginario.
-Y ya anda también por ahí Punk robot en tiendas y es por la misma tónica.
-Canciones que devanean entre el garage, el indie, el brit, lo folk y lo electrónico, a veces emotivos, otras chistosos. Ambiciosos eso si. Nostálgicos y tristones también. Es lo que les gusta no se hagan. Mucha energía, muy frescos eso también.
-La de acá, la de acá Not groovy man (cuando me enamoré de Niña hace tantos años ya). Aunque no es muy representativa.
-Sí usted lo sabe, ellos son los de la canción de Jumbo.

Otras entregas guardadas:
Tunick en México.
El Arca de Neón.
Fobia XX años.

No distance left to run

2007-11-05T10:16:00.000-06:00

Blur/ 13 / 1999 / Food Emi.

Escribiendo mucho.
Spencer Tunick en México próximamente.

¿Y sí fuera ella?

2007-10-29T12:17:00.000-06:00

Coming up next:
Clase media y mundo del arte convergen en un bonito parangón entre un gringo y una sueca.

Los 5 grandes del rock (segun Gabriel De La O)

2007-10-24T10:59:00.000-05:00

C.D.- ¿Cuales son según tú las 5 bandas de rock más importantes de la historia?
G.D.- ¿En inglés o español?
C.D.- Es indistinto eso no importa.
G.D.- 1o el Tri, porque si no fuera por ese ruquito ridículo, no habría ni sus Porter, ni sus Dynamite, ni sus Caifanes. ¡Qué Javier Batiz ni que nada!
Los Rolling Stones.
Bob Marley & The Wailers obvio.
Radiohead.
Y Madonna.
C.D.- ¿Madonna? ¡Orale! ¡Qué específico! Como que escogiste uno de cada era ¿No?
G.D.- Si, algo así, es que son los más grandes ¿No?
C.D.- Pos si. Pero ¿Madonna?
G.D.- ¿A poco no?
C.D.- Nos pues si. Oye y ¿nadie nuevo?
G.D.- No, todavía le falta mucho a cualquier grupo nuevo para ser leyenda.

Siguen queriendo comprarme el auto:

¡Chale!
¿Concuerda ud. con mi hermano? A mi me parece una gran lista. Difiera en los comentarios sí lo siente justo.

Spider Galaxy de Carlos Amorales

2007-10-17T11:35:00.001-05:00

-Una narración breve de la pieza-

Instalada en el espacio esta el sustrato de un planeta arrasado por la catástrofe (¿Natural o humana? Eso no lo sabemos). Ahí un pajarillo sideral recorre la herida. Primero temeroso, luego confiado analiza la evidente fractura en el suelo, como queriendo encontrar las respuestas a la pregunta ¿Qué paso aquí? Disecciona la grieta, paso a pasito la conoce, la inspecciona, la reta, para después abandonarla ante la vacuidad de la respuesta.

-Los datos que importan-

Otra visión postapocalíptica de Carlos Amorales “Spider Galaxy” tendrá un par de funciones más hoy en el Museo Tamayo, antes de ser mostrada en Performa en la ciudad de New York. Una acción que demuestra que de mano de un gran equipo de colaboradores, la visión de un artista no tiene límites. Muy destacada la labor del diseño de vestuario, la bailarina y el espacio arquitectónico.

Miércoles 17 de octubre 2007, 19:30hrs. Museo Tamayo.

Tomos sueltos / Obras completas / Daddy's car

2007-10-15T10:49:00.000-05:00

20 de octubre de 2007, "Fragor", cheque invitación para detalles. Curada y promovida por Aarón Aparicio "Sper". Un gran esfuerzo, asistan.

-"In rainbows" de Radiohead. ¿Puede usted agregar algo más que no se halla dicho ya en estos días? Gran disco que pondrá (o puso) a Radiohead en su justa dimensión. Reseña extendida después.

-"El Arca de Neón" en Muca Roma. Gran esfuerzo, grandes resultados. Reseña extendida después.

-Agradable sorpresa Furland después de dos años. Todavía quieren ser los Babasónicos meets Air, pero cada vez lo hacen mejor. Muy agradecidos por ello.

-Una gentil ama de casa defeña afincada en Cholula nos dio lección de hospitalidad, no en cambio los oriundos todos ellos taciturnos y desconfiados. Puebla el gran dilema del último mes, tan bello y hostil a la vez. Al final una comunión con galletas Zuki para terminar. ¿Más carretera? ¿Los Cardigans no se equivocan? ¿"The road is my friend"?

-Dos raciones de Righteous Boy al día me recuerdan que os hice -siéntase en confianza de modificar la conjugación y la persona en el anterior verbo- tan difícil amarme, sin embargo entre esos ambientes saturados de bajo y órgano también se encuentra la respuesta a esa incógnita: Agredezco no estar tan protegido como tú. Reseña extendida después.

-Otra vez nosotros y nuestras cara de circunstancia entre muebles de Eames y la obligada pregunta ¿Qué demonios hacemos aquí?

-Otra vez la vida nos premia no el nihilismo sino el eterno entourage. Primero una curaduría que se empieza a antojar productiva, después un par de alfajores para rematar.

-Además de Chikita Violenta y Cake para la música, y Amorales, Laser Tag y Transitorio para el arte.

Y además. Y además. Y además, Y además, Y además, Y además, Y además, Y además, Y además, y además parece que todavía hay más.

Próximo: "El Arca de Neón" la que podría ser la trilogía del éxito en la DGAV de la UNAM, prevío a la inauguración -aún sin fecha- del Museo Universitario de Arte Contemporáneo.

Deux animaux

2007-10-12T09:58:00.000-05:00

- Lobo disfrazado en ropas de cordero.
- El tremendo elefante rosa en la habitación (del que nadie se atreve a hablar).
- A wolf at the door.

The good times are killing me!

2007-10-08T10:37:00.000-05:00

Click a la foto pa ver "el post".
-toda la mañana he editado este post, me harta no poder hablar de los días pasados, pero se resumen en una frase que me robo de JP : "un clasemediero con ganas de más". Todos estos días han tenido ese "más"-
¡Gracias!

¿Por que Austin TV?

2007-10-03T10:35:00.000-05:00

(Primero eran 3, luego se redujeron a dos, más tarde nuevamente eran 4 y luego 6, así al final cuando apagaron las luces sobro 1. Más tarde esa misma noche eran 6 nuevamente y sobraron 2, así que si la tendencia continuaba, pronto serían 10 y sobrarían 6)

Chiosan varios meses antes, en la fiesta de cumpleaños de conocido joven artista no emergente –bueno esta bien: Marcos Castro- nos platicaba los planes inmediatos de Austin TV. Por lo pronto entonces era abrir el Vive Latino 07 en el escenario principal, un anticipo de los tiempos que vendrían –y que vendrán- a raíz de la salida de Fontana Bella su tercer disco.

En otro momento tuvimos la oportunidad de disfrutar el aroma a pino de bosque de Fontana Bella, ahí la tecladista nos revelo que la presentación del hijo parido por ella y el resto de los Austin TV –Chato, Xnayer, Oiram y Rata- se realizaría en el Pabellón de Alta Tecnología. Muchas preguntas quedaron en el aire para ese día. Día que llego. Cuando el complejo montaje escénico de Fontana Bella quedo al descubierto, puso mas preguntas sobre la mesa, presentando en sociedad no a la banda en pleno, sino su posibilidad futura de crecimiento –de verdadera plenitud-.

Inevitable pensar en la forma en que los Austin TV han hecho su carrera después de lo acontecido el lunes pasado. Sin disquera, con autogestión, en sus propios escenarios, llegando con pasos discretos pero seguros, para darse cuenta de que esto apenas comienza. Austin TV ha emprendido una búsqueda en la cual solo depende de ellos los frutos que desean cosechar. Porque a pesar de sus esfuerzos desde los tiempos del Foro Alicia, de su tibia programación en radio, su nula aparición en tv durante tanto tiempo, hasta ahora, estrellas del firmamento indie-rock todo parece indicar que lo más grande esta por venir.

Porque es cierto que Fontana Bella suple las carencias técnicas de nuestros indies favoritos con una imaginación notable en los arreglos, sin mencionar una enorme capacidad conceptual para generar narrativas que ciertamente es su máxima fortaleza. Que es obvio que su forma de actuar es muy distinta a la de las bandas que los acompañan en el camino. Que las referencias al teatro, a la puesta en escena, casi me atrevo a decir que estos actos cuasi-operísticos de disfraces e historias que enmarcan una narración conducida por estos cinco hombres hoja, nos ponen a pensar en que quizás los Austin TV más que músicos de rock, son artistas conceptuales muy complejos, concientes de sus límites, entonces honestos con su discurso siempre con el corazón en la mano.

Y que eso los hará llegar tan lejos, sin haber abierto la boca para hablar de amor o injusticia. Decidiendo apelar al sentido humano que es lo que nos une. Apelando al arte, la más grande de las invenciones del espíritu humano.

Y por eso bien por ellos, gracias por ellos, gracias a ellos y ¡Felicidades!

Miel del escorpion pa' curar mi corazon de penas

2007-10-01T10:33:00.000-05:00

"La selva de mi cabeza, quien entra ya no regresa..."

"Miel del escorpión" / Fobia / Leche / 1993 Bmg-Ariola.

Superficie

2007-09-25T10:46:00.000-05:00

Noiselab 2007
Productor: Phil Vinall

Supuestamente la separación de los hermanos González de Jumbo fue en buenos términos, sin mala sangre, con todo el “wish you luck” del mundo. Luego lee uno los créditos de “Superficie” –y esas letras ácidas sobre rencores que no se olvidan- y al parecer su proceso de grabación fue traumático y frustrante para los Jumbo restantes. Justa es la pregunta acerca de la supervivencia de Jumbo sin los González (teclados y batería eran sus funciones); quizás podamos rastrear las respuestas en “Superficie” el primer disco de Jumbo sin ellos.

La primera cosa notoria es la velocidad con la que despachan las 14 canciones del disco, la mayor parte de ellas menores a los 3 minutos y medio. Sorprendente sí se piensa en “Teleparque” y sus mini-odiseas de 4 minutos en adelante. El otro cambio sustancial es la ausencia de Chuy Flores en la producción. Silla ahora ocupada por Phil Vinall el nuevo guru de la escena roquera mexicana, quien deja su marca habitual: una producción saturada, llena de capas de guitarras y órganos de fondo, que sí bien no emulan la densidad de las de Zoé, no niegan la impronta de Vinall en la consola. El tercer punto a destacar es que debido al recorte de la duración de las canciones, los largos pasajes musicales –casi duelos entre órgano y guitarra requinto- desaparecen, aunque eso no hace un Jumbo más simple o poco imaginativo.

Sí bien algunas canciones parecen revisiones de otras más viejas, en específico de 3 de la era “Teleparque”; Jumbo suple al órgano imaginativo de Eddie González por la guitarra y su extensa selección de pedales más lap steel de Flipy Támez, por no hacer mención de su habilidad en el instrumento, cosa jamás discutida en Jumbo por alguna extraña razón. Támez es quien guía la mayor parte de las composiciones, ya sean canciones roqueras con visitas a Zurdok, canciones de folk cósmico sentimental, espíritu indie o el rock directo al que Jumbo nos acostumbro: Verso y coro pegajoso, requinto muy logrado y coro pegajoso en fade, ya saben, después de todo los Jumbo tienen alma de hit makers.

Llenos de amargura reparten líricas agrias que dejan creer que en la superficie están bien, pero en el fondo buscan como expiar el rencor que tienen dentro; el cual no queda claro contra quien es, pero esta siempre presente con una lírica corrosiva que arropada en canciones muy lindas desconcierta. Es inevitable que despierten suspicacias, letras que parecen cargadas contra los González, aunque también puede ser mera especulación interpretativa. Como sea es un elemento que unido a la atiborrada producción hacen de “Superficie” su disco más denso – dentro de los parámetros de Jumbo-.

Y así la libran con un nuevo racimo de canciones de amor y desamor, pero sobre todo de miedo a la derrota. Lleno de Jumbo, pero muy distinto. Un disco pequeñito que se hincha con el uso de un buen par de audífonos, pues todos sus detalles están finamente escondidos entre sus estridentes guitarras y bajos pesados; lindos detalles que otorgan esa nueva cualidad de un Jumbo no grandilocuente como en “Teleparque” sino un Jumbo preocupado por el futuro, con algunos truquitos aún bajo la manga. Nuevas referencias que invitan al cambio. Pero un paso a la vez.

Bueno… Suena a Zurdok, Zoé, Volován, la Gusana ciega, los Tres, Badly drawn boy, los Hives etc. etc. etc. Pero sobre todo suena a Jumbo. Y por no perderse en el camino está bien.

Canciones
Un millón de vueltas: entre Zurdok, Soda stereo y la autoreferencia, gran apertura.
Fuerza de la gravedad: juro que el Flipy toca ese solo de guitarra en vivo con todo y cambio de pedales y delay, no tengo porque mentirles.
Una parte de ti: creo que las canciones de Jumbo que me gustan parecen de Zurdok –sic- como sí fuera la 2ª parte de Black party de “Teleparque”.
Se hace tarde: muy linda, muy folk, un nuevo Jumbo más tranquilo se anuncia y esta bien. Muy a lá Badly Drawn Boy.
Uno de estos días: pienso en Un camino y un camión de Fobia, pero más cósmica, más baja, saturada con un lap steel muy a los Tres, mezclado con el toque de la casa.
Escóndeme: Otra joyita, un gran final entre Café Tacvba, los Tres –otra vez- y algo que nos hace pensar que lo mejor está por venir.

Conversacion

2007-09-20T12:41:00.000-05:00

Enrique va a New York en unos pocos días.
También me dijo que compro una lavadora, destartalada pero lavadora al fin y al cabo.
Agrega que ya hay comida en el refirgerador, que empieza a hacer una vida más normal.
Que se ha ligado a una morra en el Metrobus, que la beso en dos estaciones y que paso la tarde tirando.
Dice que aún es más entretenido que ver la televisión y viceversa.
Va con Guillermo porque este está deprimido.
-¿Cuál es el problema?- digo.
-Es tímido y viejo- contesta, más bien lapida.
-Es lo que me espera supongo- remato.
-Pues tú sabrás-.

Sí así sucede, por lo menos dirigiré un museo.
¡Es la puta lluvia chinga!

¿Cuantas vueltas para llegar a Jupiter? Aunque el destino de los rockeros de antaño era Marte.

2007-09-14T10:40:00.000-05:00

Mark Wallinger/The Underworld

Sigue lloviendo.
A veces sale el sol.
Otros días decir que llueve a cantaros queda corto para describir lo que habitualmente acontece.
Al momento hemos tenido suerte; no hemos quedado varados en algún embotellamiento con el agua hasta la cintura.
Nuestros carros estan a salvo por lo pronto.
El mundo se cae a pedazos y duermo hora y media por las tardes como si nada pasara.
Después fiesta, tras fiesta, tras fiesta, unas malas otras buenas.
Pienso en tus constantes interpretaciones del fin del mundo, sí podremos cumplir nuestras misiones antes de que el Arte vuelva a ser una cosa abstracta e inecesaria.
Afortuandamente jamás nos hemos hecho promesas, al menos no verbalizadas que son las que cuentan.
Kike siempre ha sido fresa, es su educación no tiene nada de malo. Eso no quiere decir que no sea profundo, casi atemorizanate sí lo piensa uno detenidamente.
El futuro, la palabra más constante en las líneas de este blog. Nuevamente amenazándonos. Para eso nuestra defensa es una sonrisa franca, de descaro como retando al mañana... El dolor no se fue a ningún lado, permanece; la canción se equivocó. Lo que nos abandono es el miedo.
Una cosa a la vez.
Un temor por round.

Puebla (The second great depression)

2007-09-11T10:50:00.000-05:00

No quiero hablar de ello.
No quiero que se me escape por ningún poro.
¿Cuántos recorridos de esos habrá escritos por delante?
¿Cuándo me llevaron al futuro sin avisarme?

Próximos: Su majestad Jumbo y "Superficie" y la muy debida a estas alturas "Our love to admire" de Interpol.

Sueter was on Papalote one day and had tons of fun

2007-09-07T10:31:00.000-05:00

Fotos de Ramses O.R. Olaya, Brianda Alejandre y C.D.

Coming up next: Interpol tendrá que esperar, otra reseña surprise entrará en su lugar.

Ñereando...

2007-09-05T11:01:00.000-05:00

Unos cuantos hilos que se jalan a un títere mediocre.
Una respuesta obvia.
Una mala versión de cover.
La risa malsana y la sonrisa satisfecha.
Claro, quedo, seguro.
La próxima vez con mi nombre firmando, porque una mentada de madre de un niño mimado vale la pena recibirla en el rostro.
Imbécil.

(No lo descifren, solo estoy de ñero, y a todo ustedes los quiero...so)

The death of a party

2007-09-03T12:06:00.000-05:00

Miles de años atrás foto por C.D.

Un puente precioso por cantar:

"but still you'll never get it right
'cos when you're laid in bed at night
watching roaches climb the wall
If you call your dad he could stop it all."

Una línea específica para uno de los anfitriones y su destino ineludible:

"If you call your dad he could stop it all"

¿Te gustó tú post-adolescencia?

"The death of a teenager
standing on his own
Why did he bother
Should've slept alone?"

Tiempo de dormir solo como niño grande. Ni modo. O podés llamar a papá y decirle que pare todo ya, like you used to...

Solo una observación diría yo.
(Dos canciones: "Common people" de Pulp obvio, y "Death of a party" de Blur)

Coming up next: A nadie le importa pero "Our love to admire" de Interpol.

Sueter spends a lovely saturday afternoon at Satelite City

2007-08-26T13:58:00.000-05:00

Click al título para ver nuestra adorable tarde.
Fotos de C.D. Jacinto Quesnel y Ambar Galán.

Send away the tigers

2007-08-23T10:22:00.000-05:00

Sony/Bmg 2007
Producido por Dave Eringa, Greg Haver y Loz Williams

El estribillo reza "your love alone is not enough not enough not enough", la primera vez en por lo menos una década en que los Manic Street Preachers colaboran con alguien en una canción, la elegida: la reina alternativa escandinava Nina Persson –de los Cardigans ya sabemos-. Como sí se tratase de una declaratoria de guerra al abandono y nostalgia provocadas por la desaparición y posible muerte del cuarto Manic: Richey Edwards. Guerra mutuamente declarada allá en 1995 cuando desapareció de su cuarto de hotel, la querella que marco un antes y un después para los Manics.

En ese antes la banda favorita de South Wales tenía clara en mente la idea de cómo debía funcionar una banda. Los hijos de los Sex Pistols y The Clash tenían perfectamente delimitada su misión y sus armas; sensacionalismo de prensa inglesa, actitud glam anti-stablishment, mutilación, alcohol, anorexia nerviosa masculina, riffs de guitarra todo deuda con Def Leppard y Guns & Roses, además de la aplanadora intelectual de las letras llenas de referencias y discursos políticos. También había un plan finamente estructurado en tres sencillos puntos según los galeses:

1-Sacar un disco de la enormidad de "Apetite for destruction" de GNR.
2-Subsiguiente gira alrededor del mundo, fruto del éxito del disco demoledor en cuestión.
3-Encabezar tres estadios de Wembley tres noches seguidas y de ahí al olvido.

Nadie los puede culpar, era 1992 y las cosas se pondrían difíciles para los Manics. Para 1998 conseguirían por fin los puntos de su manifiesto juvenil. En ese después marcado por la exposición constante de las heridas de saberse abandonados e impotentes por las enfermedades mentales de su segundo guitarrista, los Manics rehicieron su estrategia mientras nos hacían creer que de verdad everything must go. Nos doraron la píldora con esa música de rock arena que los llevo al centro del huracán, nominaciones al Nationwide Mercury Prize (1997 y 1999 respectivamente), números 1 en las listas y ni hablar, el estadio de Wembley; suficientes como para mandarlo todo al olvido como medicaba su manual.

Y ahora todo eso no importa.
"Send away the tigers" significa varias cosas, entre ellas el regreso a las raíces que los Manics por pudor escondieron durante largo tiempo. Basados en los riffs á la GNR de James Dean Bradfield y las baterías casi marciales de Sean Moore, los Manics echan mano de sus fuerzas primigenias, esas que los obligaron a ser un trío y presentarse tal cual. Como un trío, potente, poderoso y sin concesiones, once canciones que se van como agua, éxito radial tras éxito radial entrelazados por la voz de Bradfield siempre a punto de llorar –bastante notorio en "The second great depression"- y una batería que no deja de trotar cual caballo desbocado de un lado a otro. Nicky Wire –bajo y letras- hace lo suyo, componiendo esos himnos que llevaron a los Manics a ser los favoritos de Inglaterra, simplificando las letras con una sensibilidad pop indiscutible, rasurando la paja y haciéndose autoreferencia. Doctor honoris causa por la Universidad de Gales, es lo menos que esperábamos del cerebro Manic principal.

Las nuevas canciones de los Manics suenan como debieron seguir sonando hace más de diez años en vez de las canciones de melancolía que forjaron sus grandes éxitos; si esas canciones que nos enamoraron y volvieron a los Manics aspirantes al trono del britpop.

Las nuevas canciones de los Manics llenas de furia y denuncia social, pero con enternecedores mensajes de aliento, con una premisa principal: Richey Edwards se ha ido, lo lamentamos en el fondo de nuestros corazones, pero es tiempo de retomar a los Manic Street Preachers donde los dejamos.

Y sin culpas por seguir adelante.
Harto rock de estadio, una guitarra que no se deja domar que sigue el curso de la canción y la lleva a sus últimas (y nacas) consecuencias, citándose continuamente visitando sus éxitos -principalmente la era "Generation Terrorist", "Everything must go" y "This is my truth tell me yours"-gritos de hairmetal y hasta el descaro de hacerles honor a los Cardigans con el sencillo "Your love alone is not enough" y a Lennon en un track escondido: "Working class hero" pero como de bar cantina mugrosa rozándose con Aerosmith y Def Leppard sin mucha vergüenza al respecto. También huele un poquitín a meeeetaaaaaaaaaal pero lo amamos.

Aunque si alguien les pregunta: ¡¡¡suena a los Manics en toda su maldita gloria!!!

¡Dios y la Reina salven a los Manic Street Preachers!

Sin desperdicios pero pues …
"Your love alone is not enough" sencillazo por donde se le vea.
"The second great depression" trate de contener las lagrimas mientras la escucha, o las ganas de gritar al unísono de ella.
"Imperial bodybags" la envidia de las jóvenes bandas que quieren sonar a The clash, con muy afilada crítica a la guerra de moda.
"I´m just a patsy" naca la va a disfrutar.
"Working class hero" gran versión, miren que ponerle furia a Lennon no es cosa de todos los días.

2007-08-20T13:05:00.000-05:00

Sigo enfiestado...
Desde el día que tome esta foto.
No se quita...
Chale... -me han regañado en el servicio, retechale-

Próximas entregas a propósito: "Send away the tigers" con el regreso triunfal de los Manics, "I sing becuase of you" un viejo disco de Righteous Boy y "Our love to admire" de Interpol mas lo que se acumule.

Momentos sueltos

2007-08-14T10:56:00.000-05:00

1- Concentrado, viernes entre las 18 y las 19hrs.
2- Harto, sábado entre las 23:30 y las 00hrs.

Love, love, love

2007-08-10T10:13:00.000-05:00

Había un tiempo tranquilo y apacible cuando decidíamos ir a comer tacos en vez de entrar a clases. Algunas de las materias que sufrieron estragos por nuestras ausencias continuas, siguen sufriéndolos por no estar ya tachadas de la lista de pendientes. ¡Pa’ lo que importa! En esos mismos días Crack y Bonky nacían, en esos días la pequeña banda independiente llamada Austin tv empezaba a crecer; quizás no del todo conscientes de ello en esas meriendas cuando lo que nos ocupaba era reír un poco. Total nuestro futuro académico de todos modos estaba sellado.

La última vez que vimos en concierto a Zoé fue bastante antes de que se volvieran esa leyenda del rock , aún éramos pocos los invitados al banquete lisérgico de la banda cuyo nombre ahora está escrito con letras de oro en los anales de la historia. Nada sospechábamos que ese día era la última vez que los veríamos así de terrenales, tampoco había indicios de que ese sería el principio del fin. Ahora que lo pienso, casi llego a convencerme de que todo fue planeado fríamente, que nos agarraron con la guardia baja. Ahora también creo que eso no importa ya. Largo tiempo desde ese final y su epilogo prolongado. Es tiempo del inicio, de pintar corazones, ya sabes eso de todos los días.

Entre las luces verdes salieron los Austin, momentos llenos de energía combinados con la habitual cuota de nostalgia. Enormes, dispuestos a todo, la banda favorita del indie demuestra con cada paso dado una empresa que ahora por fin se antoja duradera. Los Zoé salieron entre las luces rojas y los estrobos, enseñándonos una sencilla lección: Que su música es para enamorar, ya sea señoritas que gritan en éxtasis de Santa Teresa por León Larregui, ya sean adolescentes de ojos soñadores mirando a sus héroes hacer lo suyo, a todos los demás que nos dejamos llevar al trance de los mantras acostumbrados para muchos, pero nuevos para nosotros –igual no tan nuevos, solo no conocíamos el templo donde se invocaban-… Love, love, love y el balcón retumbaba entre los brincos y la emoción de la mayoría, todos con ineludible sonrisa de satisfacción.

Creo que tienes razón, a pesar de todo la infancia nos ha conseguido un buen lugar... Por lo menos tan bueno para presenciar esa clase de noche… Una vez más.

Disposiciones psiquicas

2007-08-03T12:26:00.000-05:00

de la serie "homesick" c.d.

Como que para que Modest Mouse entre como debe entrar, necesita uno forzosamente unos mililitros...
bueno pues unos litros de bourbon.

¿Quién se anota?
¿Hacen falta no?

Monday morning

2007-07-30T10:36:00.000-05:00

¿Qué cuándo no haya mas mañanas de lunes, tan claras, apacibles, luminosas como la de hoy?
¿Qué pasará cuando el destino nos alcance mon chêr?

Ahí sigue el futuro con su amenaza constante, pero ahora my dear, se le espera con los puños cerrados y dispuestos, casi que sedientos de sangre.

Otra mañana de lunes, empezamos otra vez. Y así hasta el día de nuestra hora.

la laralalala laralalala ugh ugh ugh!!
"Monday morning" ¿Cual mas? Pulp en Different Class, Island 1995.

After el señor Patrik Miller

2007-07-23T15:18:00.000-05:00

Dice nuestro Damon; el mejor conocido como Badly drawn boy:

"No hay nada en esta vida para mi, pero nunca se había sentido así de brillante"

tan tan.

Imagine you made me that akward question (And I pretend answer it)

2007-07-16T14:13:00.000-05:00

Pienso en la frialdad del blanco sobre blanco, en la insinuación de algo que apenas es durante un breve momento y después no. Pienso en una falta de artificio sin reparar en la realidad absoluta por eso. Pienso en una canción que no es necesariamente fría, resuena gélida nos captura, nos envuelve a discreción desapareciendo casi de inmediato como la aurora, no sin antes presentarnos sus colores, fríos todos ellos.

Pienso en las demandas de los que ante todo deciden dar el rostro. Pienso en la forma más abstracta de crear un lindo retrato de la desesperación en lo cotidiano; pienso en los underdogs y los negados, en el doloroso punto neutro de no ser nadie y aún así tener una visión. Pienso en las heridas que nunca cerrarán, en las voces que siempre sonarán desgarradas, en los pasos aún sigilosos de quien no cree en las resoluciones definitivas.

Admiro a un ser frágil ante el reflector, admiro la luz quemando sus ojos y su inmovilidad ante el suceso, admiro cuando se esta al borde de las lagrimas, pero más admiración me causa el contenerlas, creando esa tensión de una catarsis sin acontecer. Admiro su disolución incómoda. Admiro la desconfianza hacia el progreso de la mano de la esperanza disfrazada de cinismo. Gusto en pensar en ese lugar donde nos sabemos timados perseguidos por la constante convención con el otro, decir repetidamente: “Entiendo, sigue tomándome el pelo, a cambio yo seguiré sonriendo”.

Pienso en lo mínimo, en su repetición, pienso en colores brillantes, pienso en blanco y negro. Pienso en decir groserías de la manera más elegante posible; pienso en mentar madres con el dedo meñique alzado con esnobismo. Pienso en los modales y los libros que no leímos –que no leeremos- . Pienso en lo que aprendo de una horda de borrachines e inadaptados, aplaudidos por exponer sus gracias ante nosotros –en realidad pienso en cierta embriaguez casi inexplicable-. Pienso en la ética y sus dilemas, en la horrible bifurcación de ser humilde y ser moral sin contradecirse de mal modo. Pienso en asquearme del hippie y el newager, pienso en vivir bajo los propios parámetros de libertad.

Pienso en el vacío, en la ausencia, etérea ella pues se la piensa en blanco, pienso en nuestros caballos galopantes.

Y por pensar coacciono politizar, dejar claro que en realidad no hay gran cosa que decir más allá de ese ruido, esos grabatos. Pienso en presenciar un momento bello que te permite contemplarlo sin espasmo… Solo así… bello… frío… próximo…inquietante.

Bank holiday

2007-07-13T15:49:00.001-05:00

...y por eso Thomas Demand "diasec" 2006.

Enrique dice que es un lujo pintar. Muy de acuerdo mon ami.

La pregunta: ¿Alguna vez ha montado un caballo salvaje? Esa es la respuesta a otra pregunta no formulada. Así se siente, como montar un caballo salvaje. ¡Móntelo pues!

2 recuerdos sueltos

2007-07-06T10:12:00.000-05:00

1.(1999)

-¿Y qué música te gusta escuchar?
-Funk principalmente.
-(evidente emoción al hablar) ¡Qué chido! a mi también me encanta el punk.

2.(2005)

-¿Y qué música te gusta escuchar?
-En estos días traigo un deal bien fuerte con el folk ¿quién sabe por qué?
- (susurrado) ¡Orale! a mi también me gusta el punk.